"Les quatre saisons de la vie d'artiste de Paul Clodel" Première Partie
"L'hiver glace mon coeur par sa froideur terrifiante, en attendant que le printemps m'apporte des jours meilleurs. L'été sera me réchauffer de sa chaleur au coeur de mon art le tout à l'automne de ma vie". Paul Clodel Cochard
Quatre saisons entrent dans la vie de l'artiste peintre Paul Clodel, des saisons qui se suivent mais ne se ressemblent pas aux chronologies d'une vie normale. Des passions naissent à chacune des saisons. Pourtant nous connaissons le peintre à sa saison d'été qui brille par le soleil de ses toiles et que nous aurons le temps de parcourir sa vie et ses oeuvres à travers des questionnaires. Nous serons par la suite, à la saison d'automne où les dernières feuilles encore parsemées d'écritures poétiques tomberont pour nous sur des vers, que seul l'Ode au coeur du réunionnais pourra nous dire tous ses secrets. Un hiver qui glace ses pensées philosophiques et c'est à lui de nous d'écrire ses pensées par sa poésie en hexadécasyllabe . A la bonne saison du printemps, nous irons voir ses photos qui projettent un avenir artistique. Les cases créoles sont ses inspirations de son quotidien à l'Île de la Réunion.
Association Paul Clodel (A.P.C.)
"Paul Clodel créait un mot: le traitïsme afin de rassembler à toutes ses phases de créations en une seule famille, le trait".
Paul Clodel en créant un mouvement artistique à la Réunion, qu'attendez-vous par le traitïsme ? De plus, dans quel but créez-vous le Blog intitulé "Le Traitïsme"? N'est-il pas un peu oser de faire soi-même ses propres articles, surtout que c'est, en général, la presse qui le fait ! Pourquoi utiliser vous tant d'énergie dans l'écriture et dans la poésie? Racontez-nous votre parcourt artistique du début à nos jours ?
Tous ces questions seront posées à Paul Clodel, le créateur du mouvement Traitïste-Réunion et le fondateur du mouvement Néo-Traitïste. Un défi de plus que l'A.P.C est en mesure de concrétiser. Un challenge de plus, pour un jeu de questions et de réponses auxquels vous répondra Paul Clodel Cochard.
Qui est Paul Clodel ?
De son vrai nom Paul Clodel Cochard
Né le vingt avril 1967 au Tampon dans une île de l'Océan Indien (La Réunion) de père et mère réunionnais. En 1983 Paul Clodel entre en section de dessinateur en publicité au lycée de Saint-Pierre. En 1985, il eut un coup de pouce de son professeur de dessin d'art naïf, André Oudet, pour la réalisation de cinq de ses premières gouaches par l'édition de cartes postales. Il entame ensuite des études d'Arts appliqués au lycée du Tampon (Roland Garros). Puis une formation de peintre en lettre et de dessinateur mural au Lycée de Saint-Louis. En 1989, il expose pour la première fois à la galerie du syndicat d'initiative de Saint-Pierre, rue Archambaud, sous le pseudonyme de "Paul Clodel C.". Il expose des cases créoles, des scènes de vies et des paysages de La Réunion. Le succès de ses ventes de tableaux lui fit rejoindre le chemin des expositions. Il expose le plus souvent dans le Sud de l'île et il signe par la suite "Paul Clodel" pour qu'il n'y est aucun lien de parenté avec l'écrivain et le poète "Claudel". En 1994, il fait une rencontre avec un écrivain réunionnais, Jean-François Samlong, qui change sa façon de peindre et c'est la création du traitillisme. En 1995, il fait une expo qui attira la presse locale puisque l'exposition mettait en valeur sa nouvelle technique de peinture, le traitillisme. Par la suite Paul Clodel abrège le nom "traitillisme" en un nom plus court et plus moderne devenant le "traitïsme". Le mot "traitïsme" est un clin d'œil à l'art naïf, dont il ravit le "ï. En 1998 le traitïsme devient un mouvement réunionnais et il compte aujourd'hui des adeptes réunionnais (Claude Bègue, Marius Sinama). En France Marc Brousse (architecte et dessinateur) fait parti du mouvement depuis 2019. Néanmoins en 2011 Paul Clodel Cochard s'oriente vers le néo-traitïsme (le trait devient une bande colorée de différentes couleurs et qui sont juxtaposées et sont courbées). Ayant trouvé son style et sa technique de peinture, il signe désormais: Paul Clodel Cochard.
Sa vie ses oeuvres ?
Tout d'abords cette première question : le choix d'un nom d'artiste, pourquoi avoir choisi de s'appeler « Paul Clodel » ?
"Clodel (1) c'est mon deuxième prénom et ma mère l'a découvert sur une boite d'allumette. Mon père s'appelant Paul, il fallait me trouver un prénom usuel à la maison et cela pour nous différencier l'un de l'autre. Le choix d'un nom d'artiste est simple, cela remonte depuis mes études de dessinateurs publicités. A la rencontre d'un livre au CDI de l'auteur Paul Claudel ( le dramaturge, poète, essayiste et diplomate français, né le 06 août 1868 à Villeneuve-sur-Fère dans l'Aisne et mort le 23 février 1955 à Paris. Il fut membre de l'Académie française). Certes, je ne vais pas me mesurer à ce grand écrivain, sauf que mes prénoms parlent ! Autrement dit, au début de ma saison, "l'été", je signais mes tableaux d'artiste: Paul Clodel C. Les journalistes m'ont baptisé au début de mes expositions : « Paul Clodel ».
Votre première saison commence, c'est l'été et nous allons faire la lumière sur votre vie d'artiste. Que représente pour vous cette saison?
"L'été est le soleil qui entre et éclaire ma peinture". P.C.
Paul Clodel, racontez-nous votre véritable passion et à quelle période est- elle apparue dans votre vie ?
Collège de Terrain Fleury en 1982 à 1983
"Je ne vous cache pas que ma passion est la peinture. Cette dernière est ma vraie passion, celle qui se dessinait à l'époque du collège. J'aime le dessin et le monde de la couleur. En 1982, mon professeur d’art plastique, Madame Rocjoffre, m'enseignait l'art en quatrième et en troisième et cela m'a séduit. Elle était passionnée et nous faisait partager son art. J’avais que deux heures hebdomadaire de cours et d’activité artistique. Si on aime ce genre de cours (le dessin), pour moi, une heure de pratique, c'était un peu juste. Je faisais parti de ces artistes en herbe, enfin je croyais, car c’était à la maison que je continuais à exercer cette belle passion. Je l'ai pratiqué durant mes vacances de janvier 1983. Je m'entraînais à faire durer le plaisir de peindre et de dessiner. J’espérais dès la prochaine rentrée scolaire de 1983/84 me faire remarquer par ma prof de dessin, afin de poursuivre ma passion dans un lycée.
Un matin, je décidais de me consacrer à peindre une toile. Quand on baigne dans un milieu modeste on ne fait aucune différence entre une toile de lin et un papier blanc collé sur un calendrier. Le résultat c'est de vouloir peindre tout ce qui comptait plus pour moi. J'étais encore un néophyte dans ce domaine artistique. J’avais aucune étude et ni aucune expérience dans ce monde d’artiste-peintre. J’utilisais quatre couleurs: le vert, le bleu, le rouge et la couleur neutre le noir. Je me contentais des vieux tubes de gouache que mes sœurs avaient entreposé sur un coin de leur bureau de contre-plaqué. Je voulais représenter un port avec des barques noires sur une mer bleutée. Je rajoutais du vert aux montagnes et j’étais si fier de ma journée. J’avais peins un monde qui me ressemblait avec cette pointe de naïveté. Mais, je me dis qu’à l’âge de quatorze ans on ne maîtrise pas encore le domaine artistique. J’aimais faire du beau avec du laid, c’était du moins ce que je pensais. Je ramassais mes croquis et je bossais plus mes dessins. Je dessinais tous ce que je voyais et j’aimais peindre des objets. J’aime tous les choses qui touchent à mon patrimoine réunionnais. D'ailleurs j’apporte beaucoup d’attention à cette culture réunionnaise. Le passé contribue pour moi un savoir et me permet de mieux me positionner dans le monde réel d'aujourd’hui ! "
On imagine que votre philosophie c'est de peindre et que c'est, chez vous, une conception artistique voir même devenir votre vraie passion. Pouvez-vous nous raconter votre cursus scolaire après la troisième ?
"J’ai donc pris l’engagement après obtention de mon brevet des collèges de suivre une formation en deux années, en cycle cours, en dessinateur publicitaire. Je devais pour cela quitter ma ville natale, le Tampon, pour celle de sa voisine, Saint-Pierre. Cette préparation aboutissait à un certificat d’aptitude après la troisième de dessinateur en session publicitaire. Je devais m'appliquer dans les vacances d’août 1983 à dessiner et de peindre tout ce que je voyais, si je voulais être à la hauteur de cette nouvelle session à la Réunion. Je ne savais pas encore que ma voie fut dans ce domaine. Je ne voyais aucun avenir sans l'art.
"Étant un voyageur dans ma tête d'artiste, je m'imagine en écoutant la voie de l'art, avec un grand 'A' de vivre et de partager sa digne passion". P.C.
L’école de dessinateur publicitaire, 1984 à 1986
Une craie blanche tenue par la main d'artiste
Peintre au nom prestigieux. Oudet dessinait
Devant une quinzaine d'élèves métisses,
Débutant l'année de conseils. Je dessinais...
Cette découverte aux techniques picturales
D'apprentissage de dessinateur publicité,
M'avait permis une ouverture libérale,
En terme de savoir l'art plébiscité.
Baignant tous dans les ateliers de culture,
Ouvrant sur nos intérieurs de jeunes créateurs,
D'autres professeurs s'y ajoutaient sculptures.
Devenaient des années de beaux-Arts d'auteurs.
Par l’acharnement d'un dur travail d'élève,
Nous avions acquis après deux ans un talent
Qui nous emmenait à connaître le rêve,
Des artistes-peintres actifs prêtent aux élans.
La classe de dessinateur en publicité de gauche en haut vers la droite: Cécile,Sophie, Sully, Didier,Françoise, Gladys, Paul Clodel et Cyril.
En bas de gauche à droite: Mariotte, Cécile M., Sylvianne, et Nathalie.
" Notre professeur principal, André Oudet, cassait sa craie en deux, afin de tout écrire les noms de ses confrères au tableau. Nous apprenions sa composition mais aussi la quinzaine d'élèves que composait cette nouvelle section publicitaire à la Réunion, au Lycée professionnel de Saint-Pierre. Aussi, nous devions nous compléter avec la section de dessinateur mécanique pour pouvoir suivre les cours d'enseignements généraux. Mr André Oudet nous accueillait dans une classe flambant neuve où le parquet était encore brillant. Une main droite sur un tableau qui écrivait son nom et l’autre qui caressait l’épineuse barbe noire-grise. Il jugeait par la peinture et le dessin. Je voyais en lui la vision d’un grand maître de l'art si j'en juge par sa barbe. Avec un timbre de voix qui nous rappelait au silence, il pratiquait l’appel pour mètre un nom sur nos visages. Ce fut pour moi cette occasion de connaître le patronyme de mes nouveaux amis artistes. La liste n’était pas longue, quant il s’agissait d’une quinzaine d’élèves. J’avais choisi ma place en fonction d’un ancien camarade de collège, André Baret, ce dernier avait fait comme moi le choix de cette nouvelle section publicitaire. Nous étions, la seconde session de dessinateur et la première était des élèves déjà plus décontractés que nous paraissions à pareil épopée."
Souvenez-vous de vos enseignants, qui étaient -ils ?
" André Oudet, Alfredo Decampos, Sonny Rolin et Gérard Piednoir étaient nos professeurs d'enseignement du dessin et de peinture.
< Dossier et hommage à d'André Oudet (1942-1999), peintre comtois.
Oeuvres représentée:"Le siège de Dole" 1988
André Oudet nous promettait de passer une année en sa compagnie, sa dernière, ajouta t-il avec une pointe de regret dans la voix. Il nous disait qu’il rentrerait chez lui l’année prochaine, en France, dans sa Jura. Il nous étalait en quelques mots sa palette de bon professeur. Tout semblait pour moi d'être une bonne cuisine auquel mijotait de belles choses. Son amour pour l’Art naïf s’agrandissait par chaque parole qu'il citait. Il était de celui, à qui la peinture avait pris possession de l'âme. La démarche artistique d’André Oudet était l’Art naïf stylisé à l’art de la décoration, il avait selon lui, pris des années pour l’affirmer. Oudet jurait par un style de peinture naïve et se mélangeant à la décoration, mais d'après une de ses photos, qu'il nous montrait fièrement, nous découvrions une vague d’idées cubismes. J'entends dire par là, qu'il n'était pas un cubiste pareillement au style cubique de Pablo Picasso mais par la découpe et le croisement de ses couleurs. En effet ses lignes de couleurs épousent une large partie du tableau. Les lignes imbriquent la forme de sa voisine et changent la couleur initiale de la nature. Autrement dit, il y a une présence de courbes de lumière qui lui donne un style à part, dans ses œuvres. Par la suite, il nous restait à prendre de la graine et à devenir un peintre ! Ce fut ce mot "peintre" qui m’intéressait le plus dans cette session artistique. André Oudet, nous rassurait qu’il aura un enseignement très lent et très dur, afin de nous initier à l'art en général. C'était un peu surprenant d'entendre cet argument venant d'un peintre et non d'un professeur de dessinateur publicitaire. Nous devons par la suite de notre carrière épouser le domaine de la publicité. J’avais une crainte que cette nouvelle section ne déboucherait sur un emploi concret et en outre sur le Sud de l’île. Les grandes sociétés auxquelles nous pouvions travailler par la suite se trouvent à Saint-Denis, le chef-lieu. Je me rassurais évidemment que la Réunion étant petite et que je pourrai alors me déplacer. Mais ce problème allait m'intéresser seulement dans une durée de deux années et que je n’allais pas me décourager pour si peu. Il est vrai que notre but c’est de travailler un jour ou l’autre pour continuer à vivre mais l’important c’était, d'abord, la formation et puis le reste n’était que de la littérature !
De jour en jour, nous découvrions les autres professeurs des matières générales à ceux des matières artistiques. Alfredo Décampos était l'un d'eux. Il était aussi notre second professeur de dessin. Décampos était originaire du Portugal, il avait suivi des cours de beaux arts en métropole. Nous étions, dans l'enseignement public ses premiers élèves. Nous devions passer en sa compagnie plus d'une quinzaine d'heures de cours de dessin hebdomadaire. Decampos continuait et prolongeait, avec nous ses études de Beaux Arts et cela ne nous dérangeaient pas du tout car le plaisir était si bien partagé. D'autant plus que ce fut là un réel enrichissement personnel. Il avait aussi le privilège de nous inculquer la leçon d’Histoire de l’Art. Sans Alfredo Décampos nous n’avions pas eu la connaissance de ce qui est l’Art Gothique. Selon lui, nous apprenions que le gothique marque le début d’une néo période de l’histoire de l’art. Le gothique était la césure entre le Moyen-âge et la Renaissance. Elle était les débuts de la peinture profane. Si ici il avait voulu faire part à l’idée d’opposé à la religion, le mot profane pour moi voulait dire ignorant. Je découvrais un nouveau monde et un enrichissement artistique à la fois. A travers son enseignement pour l’Histoire de l’Art, Decampos nous faisait tout doucement entré dans l’histoire des peintres comme Giotto, de Duccio, de Simone Martini ou de Fra Angélico, tous avaient un de ces points communs, maîtres de Florence et de Sienne. En l’espace de deux petites heures par semaine nous remontions le temps pour nous retrouver en 1300 ans vers les portes de l’art du XIVème et XVème siècles. Dans sa démarche de nous initier à ses connaissances nous compatissons à son bonheur de professeur. Il exaltait avec une certaine émotion un enseignement de haute qualité pour laquelle la publicité envie. Nous voulions savoir plus et il nous parlait de la Pré renaissance, la peinture européenne au XVème siècle de Masaccio à Jérôme Bosch. Il nous expliquait l’importance durant cette période dite « la Pré renaissance », pour la première fois dans l’histoire de l’art occidental, la peinture prend une importance prédominante, et cela si je compare les autres styles de peintures. Le tableau ne se contente plus d’être admiré par le spectateur, elle s’enrichie par des lignes de perspectives et des proportions. A laquelle s'ajoute la conception du portrait aux ressemblances de l’individu. La plus grande innovation de cette époque restera les paysages. Ceci avait valu à la peinture de chevalet hollandaise un grand épanouissement périodique. Les frères Van Eyck, Rogier van der Weyden et Hugo van der Goes l’avaient tous bénéficié. Le peintre Jérôme Bosch inventait le monde du fantastique.
Les semaines filaient à vives allures et nous apprenions à nous connaître les uns et les autres. Decampos nous enseignait le dessin à vue. Nous nous dispersions autour d’un champ visuel et sur notre chevalet, un papier dessin, auquel nous retracions l’objet. Nous essayions de respecter au mieux l’échelle en le dessinant à l'oeil nu. Pour cela, il nous conseillait d’utiliser le crayon noir "HB". Nous devions portés le crayon en le présentant d’une manière verticale pour mesurer la distance. Je clignais légèrement l’œil droit et à l’aide de mes doigts je marquais la distance entre les objets. Ces derniers étaient le plus souvent des vieux pots de peintures ou des drapés. Compte tenu de la difficulté de retrouver dans le drapé, je doublais de vigilance par la suite à faire plus de dessin. Decampos nous disait, avec une certaine répétition dans la voix, qu’il fallait toujours penser au dessin à vue. En rajoutant, que ce dernier est la clé d’une réussite si nous devenons des dessinateurs. J’apprenais à dessiner d’heure en heure et de jour en jours, c'était magnifique !
Nous avions un troisième professeur d’art technique, Gérard Piednoir*. Ce dernier quittait, chaque samedis, sa ville de Saint-Denis, (située au nord de l’île) pour nous enseigner le graphisme et le concept publicitaire. Piednoir nous confessait, lui, un monde très technique que seul les imprimeurs et les professionnels avaient la connaissance. Il nous apprenait les premiers caractères typographiques que Gutenberg avait le secret de l'imprimerie. C’était le seul qui nous éloignait de notre passion pour l’art et portant le seul qui était logique avec notre futur métier de dessinateur publicitaire. Nous étions venus pour apprendre à dessiner et à peindre, la technicité nous importait peu, certes, il fallait la connaître, un point c'est tout. Par contre j’étais surpris de savoir la technique de l'impression. Nous découvrions alors le domaine de l’imprimerie. Nous apprenions le mode de repère des pages en superposant des croix de couleurs (le bleu, le jaune et le rouge) et cela afin de faire correspondre les différentes couleurs sélectionnées, pour l'impression. De même, nous apprenions les différentes façons d’impressions : l’offset, impression par report sur caoutchouc. La gravure sur des plaques de zinc ou la gravure sur bois. La sérigraphie consiste à poser des couleurs sur le papier ou le tissu par film obtenu par un banc de reproduction.
Au fur et à mesure que notre arbre de connaissance grandissait, il était comparable à celui de "l’arbre de vie" et je devenais plus vieux d’une année.
En 1985, André Oudet allait quitter le lycée par sa mutation vers la métropole. Il nous avait appris durant toute une année scolaire le maniement d’un art dit naïf que, selon Decampos, avait été le style du Douanier Rousseau. Nous regrettions son départ et il nous avait promis une chose, c’est de nous faire imprimer une œuvre peinte par nous même. Quatre artistes de la première année avaient eu la chance de voir leur tableau se transformer en lithographie. Il s’agissait de Courtois, Mussard, Hoareau et de K’irbydi. Nous avions eu la chance d’être édité en cette année 1985 par l’édition F.I.T.
Souvenez-vous de votre première peinture en classe de dessinateur ?
Bien sur et toujours, ce fut "la cuite de géranium". Cette dernière avait les mains et le dessin d'André Oudet dessus. Il m'avait aidé à concrétiser une gouache et quelle était donc ma joie de l'avoir conçu avec Oudet. Puis j'ai donc peins "la cuisine en tôle", "la case en bardeaux", "la gendarmerie à la Réunion" et "le FAZOI" et j'avais eu moi aussi cette chance d'être édité par FIT.
A dix huit ans j'avais reçu mon premier cachet de droit d’auteur, soit un montant de "2500 francs" (~262 €). Ce fut une aubaine pour moi qui recevait une petite bourse de lycéen. Je comptais avec cette argent passer mon permis et je l’ai réalisé. Pour moi ma majorité était synonyme de liberté. Je sortais les samedis en soirée et cela ne m’empêchais pas de travailler durement ma passion. Je ne m’attachais pas d’importance aux sentiments d’autrui. Quant à l’âme sœur, ma timidité m’empêchait de vivre ma "sexualité"! (Mdr) Je réservais une grande place à l’art et ce fut-elle même mon premier grand amour."
Racontez-nous votre temps libre ?
"Pendant les vacances, je passais mon temps à dessiner et à peindre. J’avais commencé à peindre des paysages à la gouache. Je me souviens d’une de mes premières peintures intitulée « la cascade bleue ». Je couchais sur une feuille de Canson, un paysage typique de la Réunion. Une cascade de couleur bleutée et qui était le sujet de l’œuvre. Elle ruisselait prenant sa source dans les profondes montagnes réunionnaises. La cascade semblait sortir de la feuille et en forme d’entonnoir. J’ajoutais des rochers en formes de dragées, ce qui rendait à cette toile un goût naïf mais d'emprunte de poésie. Un bananier se trouvait sur sa rive droite. A travers ses racines, elle buvait l’eau limpide des collines. Ce bananier donnait vie à un régime de banane. Ce dernier se mûrissait paisiblement au soleil. On aurait cru entendre la chute d’eau à travers les traits qui soulignaient les contours des rochers. Parfois j’introduisais des branches de bois morts qui se fixaient à une embouchure. Des songes d’eau se mêlaient par-ci et par-là, tandis qu’un «choca » finissait sa vie en bas de page.
Les jours vacants semblaient devenir plus paisibles avec la tache qui m’était imposée. J’avais le choix de me reposer ou bien de sortir. J’utilisais ces moments pour me perfectionner. Je peignais d’autres scènes locales, telle que "la savate sous le papayer", où je l’achevais au crayon de couleur. L’utilisation des crayons gras qui me permettait d’employer d’autres outils. Je voulais me perfectionner sur les couleurs mais aussi sur les techniques à employer. Je progressais et cela avait été un signe positif dans ma jeunesse d’artiste-peintre. J’avais un rêve c’est de devenir artiste-peintre.
La rentrée 1985 / 1986, m’ouvrait alors ses bras et j'étais en deuxième année. Nous étions devenus, à l'époque, les grands élèves de la petite session de dessinateur. Nous faisions donc connaissance aux élèves de la première année. J'ai reconnu un seul qui venait de notre ancien collège de Terrain Fleury, Charly Lesquelin. Comme nous, au début, les jeunes étaient perdus dans ce lycée professionnel de Saint-Pierre. Comme nous ils aimaient le dessin.
< Le départ d’Oudet nous avait laissé sans voix. Nous le voyons encore assis à son bureau en caressant sa grise barbe. Il était reparti chez lui, dans son Jura pour enseigner à d’autre petit z’Oudette (à la Réunion nous prononçons le « et » d’Oudet en « ette » comme le nom "Payet"). André Oudet était remplacé par Sonny Rollin. Les autres professeurs s’étaient fidélisés à notre session. Cette année était décisive pour moi, car il fallait obtenir notre certificat professionnel. J’étais conscient que cette année scolaire était difficile. De plus je n’avais pas droit à l’erreur. Je m’accrochais tant bien que mal et je faisais, de jour en jour, du progrès. Je me perfectionnais si bien en dessin et dans la composition elle même. J’avais une grande compassion pour l’histoire de l’Art, surtout pour la période impressionniste. Ce mouvement culturel qui est né dans la seconde moitié du XIXème siècle est marqué par une grande diversité de tendances stylistiques. Elle se caractérise par les impressions.
Impression de lumière que partage l’artiste par une spontanéité des touches de peintures déposées les unes sur les autres sur la toile. Manet, Monet, Renoir, Pissarro et Sisley étaient devenus des impressionnistes. Ils se libèrent de principes démodés. Ils définissent eux-mêmes la forme et le sujet de leur œuvre. Ils se libèrent des écoles de peintures traditionnelles. Ces impressionnistes peignaient en toute liberté ce qu’ils voulaient et comme ils voulaient…
En fin d’année scolaire, j’avais une certaine réticence pour affronter ce diplôme de dessinateur publicitaire. Je poussais un cri de joie en voyant mon nom s’afficher sur le tableau des résultats. Par la suite j’ai suivi une première adaptation en première A3, au lycée Rolland Garros. A l'obtention du bac, j’avais pris la décision de suivre un stage de peintre en lettre au lycée de Saint-Louis. C’était qu’un stage de formation d’une année qui nous emmenait à la porte des lycées."
Sortie de classe des dessinateurs en publicité à Mafate, Marla, en 1985.
En haut de gauche à droite:
Rollin( prof de dessin),Cécile, *Gérard Piednoir* (prof), Ariel, Cyril, Paul Clodel, Lesquelin Charly, Gladys, Didier, Maryline, André.
En bas assis à gauche à droite:
Mariotte, Joëlle, Sylvianne, Nathalie, Françoise, et Alfredo Decampos (prof de dessin)
*Gérard Piednoir (mort en 2012 d'une crise cardiaque) n'était autre que le créateur de logo de la compagnie imaginée par René Micaud et aujourd'hui rayée du ciel : AOM pour Air Outre Mer ne vous disent sans doute rien ?
Sur la voie de la vie active, quel métier aviez-vous exercer ? Racontez-nous votre parcourt artistique au début de votre carrière ?
" En 1986, je travaillais pour la première fois dans une fabrique de meubles à Saint-Pierre de la Réunion (qui s’appelait : SOREMA). J’étais donc embauché comme peintre en lettre et décorateur en publicité. Chaque matins je me rendais au travail, partielement à pied, d'où j'habitais le Tampon. Je marchais plus d’une demi-heure et après avoir pris un taxi qui me transportait à la ville voisine (Saint-Pierre) je continuais ma marche jusqu’au boulot situé à la Ravine Blanche. Mon travail consistait à peindre des panneaux ou des banderoles publicitaires pour des promotions du magasin de meuble réunionnais. Le combe restait à vaincre la chaleur quotidienne car j’étais exposé à trente centimètre de la tôle (ce qui me servait de plafond à mon abri de fortune). Mes problèmes de locomotions matinales s’estompèrent lors d'un achat de ma toute première voiture. Cette dernière était une petite 104, toute blanche, qui avait changer la vie.
Je m’habituais à mon emploi, mais au bout d’une année passée au sein de cet établissement, le patron m'avait licencié. Ce dernier justifiait : motif économique de l'entreprise. A ce moment précis de ma vie, je m’étais résigné mais en pensant tout de même que j'aurai aimé ne pas connaître de licenciement. D'ailleurs je m'étais dit, tant que je n’aurai pas effectué mon service national, je ne serai pas tranquille. C'est ainsi que j'ai refait mon appel auprès de mon régiment basé à Saint-Denis.
Quelques mois plus tard, je me retrouvais à Laon-Couvron pour y passer onze mois de ma vie. Étant, par la distance, France-Réunion, séparer de ma famille, je devais m'assurer seul. A l'armée de terre, j'ai été reçu à un examen de dessinateur et maquettiste au sein du BPSR. (Bureau Pour Se Reposer)Mdr. Cet avantage fut pour moi un inconvénient car je n’ai pas obtenu l’intégration aux pelletons d’élèves gradés que je désirais. Il fallait donc me trouver un remplaçant et il n'y avait aucun candidat qui avait postulé ces mois là. J’ai donc terminé mon service comme première classe et j’en suis peu fier du service. J’avais profité des occasions pour voyager et pour visiter la France. Rendre visite à la famille de Montluçon et de Cournon-D’Auvergne. J'ai emprofité des moments afin de visiter les grands musées d’Arts de Paris et de France. Le Louvre et d’Orsay m’avaient beaucoup plus et ils avaient réveillé mon goût et mon appétit pour la peinture. Je n’imaginais pas, à pareil époque, qu'une œuvre d’Eugène Delacroix était aussi gigantesque. Ces tableaux étaient accrochés aux sols et aux plafonds et avec du recul je pouvais mieux observer tous les détails de ces toiles. Aussi ces dernières m'avaient tant impressionnées. Plus loin, dans une autre salle, tous les impressionnistes étaient présents: Monet, Manet, Renoir, Degas et les autres vivaient à travers mes yeux écarquillés. Je jubilais de bonheur de voir leurs œuvres de plus près. J’avais compris que ce jour était le révélateur de ma future passion, c'est-à-dire, la peinture. Qu’importe ce qu’il arrivera demain, ce qui s’était passé dans ces musées aura peut-être été la considération d'un facteur du destin. C'est comme le futur prêtre qui reçoit le Saint Sacrement ou l’ordination.
De retour à ma caserne, à Laon-Couvron, je me suis mis et s’en attendre aux dessins. J’avais remarqué les difficultés d'exercer ce métier de dessinateur. Depuis ma sortie du lycée j'en ai peint que six gouaches que j’avais proposé à l’édition FIT à Saint-Denis pour l'édition, en 1985, en cartes postales.
A la fin de mon service militaire et au bout du onzième mois de séparation de mes parents, j'avais hâte de leurs retrouver ainsi que mes amis Réunionnais. Quelle fut ma joie de retrouver mon île, la Réunion, elle est toujours ensoleillée ! Quelle fut aussi ma satisfaction de retrouver ma maison ! C'est comme si j’avais pris une année de plus et pour une certaine maturité d’esprit. D'ailleurs, je voulais rattraper ce temps perdu.
"Le temps est une chose qu’on a beau courir derrière, (disait mon père, Paul, à cette année 1988) et qui ne se rattrape jamais".
Je dirai que ma carrière commence en fin d'année 1988 et début 1989 car j'avais repris la peinture. La question que je me pose:
" Aurai-je continué à peindre, si la peinture, d'elle même, m’avait abandonnée ?"
Comme il fallait chercher du travail et s'inscrire à nouveau comme demandeur d'emploi, j'entamais sérieusement (chez mes parents) une série de peinture qui me permettait de me remettre dans le métier. Cette série était consacrée aux cases créoles de la Réunion. N'est là le début de la saison printanière de ma vie. A vrai dire, mes premières gouaches sur papier "Canson" n'étaient plus qu'un travail d’illustrateur que celui d'un peintre ! Je peignais, librement et sans me soucier de quoi que se soit à cette ultime ultime passion. Certes, j’allais à la recherche d'un travail, mais en 1989 l’annonce de "la guerre du Golf" n'encourageait très peu aux patrons d'embaucher.
En octobre et en décembre 1989, je me lançais dans une exposition au syndicat d’initiative de Saint-Pierre (en face du tribunal) et dans le hall de l’hôpital de Tampon et de Saint-Pierre. Ces premières initiatives, sous le pseudonyme de "Paul Clodel C." (ma première signature que j’avais choisie pour me faire connaître des réunionnais) allaient de ce fait lancer ma carrière artistique".
Tête d’affiche
« Après une formation à l’école de dessinateur publicitaire de Saint-Pierre, Paul Cochard s’est lancé dans la peinture en lettres. Il eut l’occasion de dessiner des cartes de vœux, avec un certain succès. De là est partie sa vocation pour la peinture artistique.
Après cinq années de peinture "hobby", il est devenu artiste professionnel au début de cette année. Pour sa première exposition, sous le pseudonyme de Paul Clodel C., il a choisi, jusqu’au 30 octobre, le syndicat d’initiative de Saint-Pierre.
L’artiste, résolument tourné vers le figuratif, peint les paysages et les cases créoles par de véhémentes touches de couleurs vives, exprimant une volonté assurément descriptive. Tout en restant fidèle à la transcription du monde extérieur, il appose une touche personnelle, fréquemment un personnage de la vie courante, faisant revivre à travers ses créations le passé de la "belle époque", du début du siècle.
Paul Clodel C. travaille au pinceau, employant la gouache, l’huile, le crayon de couleur. L’étude se fait par une photo, ou lorsque cela est possible, par un travail "sur le terrain" avec un chevalet. " Mussard,Courtois,Deberghm’ontbeaucoup influencépourm’investirdans la peinture. Nous nous exprimons chacun par une touche personnelle. Cependant nous avons en commun une technique que l’on pourrait qualifier de réunionnaise".Je pense diminuer les cases et revenir aux paysages, tout en incorporant un élément humain". Nous confie le jeune artiste tamponnais.
Paul Clodel C. est actuellement en phase de recherches. Ses quelques toiles d’arts abstraits montrent, par de longues coulées de couleurs très contrastées, un désir de plus montrer une sensibilité expressive que strictement descriptive. Toutefois, l’artiste pense rester fidèle aux thèmes traditionnels du figuratif, tout en espérant, et pourquoi pas, trouver une voie intermédiaire entre le réalisme et l’abstrait.
Pour sa première exposition, Paul Clodel C. présente trente-trois toiles, quatre assiettes et de nombreux petits tableaux. En plus de la peinture l’artiste sculpte des corps féminins dans la cire. Pour le mois de janvier, un projet de lithographie en noir et blanc est à l’étude. Tout au long de cette exposition, les visiteurs pourront voir "de visu" Paul Clodel C. s’exercer à son art.
M.C.
15/LE JOURNAL DE L’ILE DE LA REUNION- (mercredi 18 octobre 1989)
J’étais si fier de me voir et de pouvoir me lire sur le journal que d’autres journalistes y ont rendu mon appel. Ce fut pour moi qui travaillais dans l’ombre de voir éclairer mon antenne d’espérance d’artiste-peintre. Voici deux autres articles qui ont apparu par les jours après et pendant l’exposition :
EXPOSITION AU SYNDICAT D’INITIATIVE
Les tableaux de Paul Clodel C.
Jeune peintre réunionnais qui jusqu’ici travaillais dans l’ombre, Paul Clodel C. s’est décidé à montrer ses œuvres. Le syndicat d’initiative de la rue Archambaud accueille sa première exposition, du 16 au 30 octobre.
Paul Clodel C. s’est mis à la peinture voici cinq ans. C’est après avoir suivi des études de dessinateur en publicité, au L.P de Saint-Pierre que le jeune homme abandonne cette filière pour s’adonner à sa passion la peinture.
Il peint son premier tableau en 1984 et, encouragé par le célèbre Bernard Deberg, Paul Clodel C. continue. Mariant à merveille gouache, huile et acrylique, il peint des cases créoles, les scènes de la vie quotidienne et les paysages. Il lui arrive même, à la demande des gens, qu’il leur peigne leur maison.
QUOTIDIEN DE LA RÉUNION
( L’ECHO des quartiers du jeudi 19 octobre 1989. Page 22)
"La peinture, c’est ma passion. Mon vœu le plus cher qu’elle me permette de gagner ma vie" Paul Clodel C.
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UN PETIT AIR DE NAIF….
Paul Clodel C. a choisi le Syndicat d’initiative de Saint-Pierre pour sa 1ère exposition. Le jeune Tamponnais, 22 ans, a suivi les cours de la section « dessin publicitaires »du L.E.P. de Saint-Pierre où il a côtoyé Mussard et Courtois. Six de ses tableaux ont été retenus pour l’impression de cartes postales. Encouragé par Bernard Debergh, Paul Clodel C. consacre, depuis le début de l’année, tout son temps à la peinture. Dans ses tableaux (gouache, huile et acrylique), on retrouve l’influence de Courtois et de Mussard à leurs débuts. Cases créoles, scènes de la vie quotidienne, natures mortes...se rapprochent des naïfs Haïtiens et Yougoslaves. Pas mal pour une 1ère exposition.
Témoignages du samedi 21 et dimanche 22 octobre 1989.Page 7
La chute du mur de Berlin a lieu dans la nuit du 9 novembre 1989 lorsque des Berlinois de l'Est, avertis par les médias ouest-allemands de la décision des autorités est-allemandes de ne plus soumettre ..
EXPO A L’HÔPITAL A. ISAUTIER
Un jeune peintre naïf
Paul Clodel n’est pas poète à l’instar de son homonyme célèbre, mais ce jeune tamponnais de 22 ans a fait de la peinture son métier. Après des études de dessinateur en publicité au L.P de Saint-Pierre, Paul Clodel a choisi de peindre il y a cinq ans et, encourager par Bernard Debergh, il a continué. Aujourd’hui il présente sa deuxième exposition […] jusqu’au 29 décembre dans le hall du centre hospitalier de Saint-Pierre. Ce sont 32 tableaux, peints à la gouache, l’huile et l’acrylique, qui s’offrent aux regards. Figuratives et naïves les peintures colorées du jeune artiste font parfois penser à Courtois ou Mussard à leurs débuts. On n’y trouve des cases créoles "car je voudrais faire passer un message : il faut les sauver" dit Paul Clodel qui évolue de plus en plus vers des paysages animés ou des natures mortes.
A travers de nombreuses peintures c’est toujours l’homme et l’homme laborieux qui guide la main de l’artiste : "Je veux peindre des paysages avec une histoire" dit encore le peintre qui vise à mélanger "un jour l’abstrait et le réalisme tout en restant figuratif et naïf". Une évolution que l’on sent déjà dans ses dernières toiles. Influencé par Millet, il peint la vie paysanne, les laveuses, les coupeurs de cannes…
De sa précédente exposition une douzaine de ses toiles sont parties dans une galerie de Maurice et Paul Clodel espère bien pouvoir travailler bientôt tant avec Maurice qu’à la Réunion…
Le Quotidien du dimanche 17/12/1989* Page 8
Quels styles de peinture avez-vous présenté à votre public réunionnais ? (A.P.C.)
"J’étais résolument tourné vers le figuratif. Auquel je présentais des cases créoles de la Réunion et avec cette passion pour l'histoire architecturale de mon île. C'est vrai aussi que l'architecture m'inspire.
Quelques véhémentes touches de couleurs pures et criardes exprimaient cette volonté assurément descriptive. Tout bien, je restais un fidèle à la transcription du monde extérieur en apportant une touche personnelle, tel qu’un personnage peint dans un style purement naïf. Ce qui témoignait l’enseignement d’André Oudet au lycée. Je voulais, de cette exposition, retenir le passé de la belle époque et du début du siècle de mon île. L’utilisation de la gouache et du crayon de couleur (dans ces expositions) montraient, certes, mes moyens modestes et la difficulté d'un jeune artiste à subvenir dans ce domaine réserver le plus souvent aux riches et aux élites".
A l'ombre de votre peinture, aviez-vous à pareil époque, une vie sentimentale ?
"En revanche, si j'aime parler de ma passion, je n'aime pas parler de ma vie sentimentale. Je laisse le public découvrir. Pourtant j’en avais une et la fin de l’année 1989 qui allait sans doute changer ma vie. Je ne désire pas m’attarder sur mes fiançailles et l’année d’après mon premier mariage avec une certaine Frédérique C. Je trouve que cette époque était pour moi une simple erreur de jeunesse. Le pourquoi du comment, je ne désire pas savoir. Cette expérience m’avait permis de me trouver du travail stable à Saint-Denis, et même, si la première exposition de cette année 89, m’avait permis de me faire connaître, elle ne suffisait pas pour faire vivre un ménage, alors il m'a fallu travailler par la suite".
Parlez-nous de votre travail, avait-il une relation avec la peinture ?
"Au début de l’année 1990, j'ai eu cette chance de me faire employer chez "Chane-Hive S.A", l’unique représentant des boissons "Orangina et Pepsi"à la Réunion. Mon travail consistait de peindre et de représenter, sur les murs des boutiques créoles et des magasins de la Réunion, leurs enseignes. Je devais, pour ce faire, parcourir toute l’île (de long en large) et de même en tous temps (pluie, soleil et vent). Mais au bout du sixième mois d'activité, j'ai eu une chance inouïe. Cette dernière était un contrat de dix mois au Rectorat de la Réunion. Je devais remplacer un fonctionnaire, en congé de longue maladie à l’université de Saint-Denis.
En 1991, après deux mois de chômage je passais un concours d’Ouvrier d’Entretien et d’Accueil (O.E.A) et je l'obtenais du premier coup, avec comme note 19,90/20. Je fus par la suite, en août, affecté au collège "L'Oasis" du Port".
Aviez-vous exposer en cette période de reprise et de changement d'activité?
"Du 29 décembre 1991 au 05 janvier 1992, j’expose à nouveau au syndicat d’initiative de la rue Archambaud, à Saint-Pierre. Les journalistes de la presse écrite ne se sont déplacés, à l’exception, de la télévision locale et pas le moindre, car il s’agissait de R.F.O (Réunion 1ère). Le reportage était passé en fin d’actualité et les images prises de l'exposition allaient me faire sortir de l'ombre à celui de la lumière.(?) Je me souviens d'avoir énormément travailler à cette expo. De même je m’apprêtais, par la suite, de peindre techniquement à l’huile et sur un support de toile de lin.
Je me souviens que cette année, je travaillais les mercredis matin à l’école primaire de Bourg-Murat, à la Plaine-des-Cafres. Cette opération était dirigée par le CEDAACE. L’atelier comprenait une vingtaine d’élèves de cette école, qui s’adonnait à leur plaisir de peindre. Ces jeunes étaient motivés et ils se sont vite familiarisés avec les couleurs. Ils maîtrisaient les proportions, les perspectives et je les favorisais à mon tour, leur créativité. D’ailleurs pendant la semaine des Arts où je les exposais à l'intérieur de leur propre bibliothèque scolaire. De même, ma carrière était à peine commencée que d’autres écoles voulaient exposer mes œuvres et cela même dans la continuité de la semaine des Arts. Ce fut le cas de l’école primaire d'Aristide Briand, au Tampon Centre. Je profitais de cette occasion pour informer les journalistes de ma prochaine exposition prévue pour le mois de septembre 1992 à l’hôpital de Terre-Sainte. J’exposais, dans ces écoles, mes nouvelles toiles de lin (encore toutes fraîches et toutes imbibées de sur couche de peintures impressionnistes). J’étais donc fier à vouloir montrer à ces jeunes élèves, ainsi que leur parent, mes premières toiles impressionnistes, pointillistes et surréalistes".
Étiez-vous à la recherche d'un style en peinture?
"Dans un premier temps, je n’avais aucun style de peinture, à l'exception du naïf. Je me recherchais et j’appréhendais l’utilisation de la technique de l’huile sur la toile vierge. Aussi, l'utilisation des livres d'Arts, m'ont permis de refaire mon éducation artistique...".
Est-ce facile de trouver des lieux d'expositions, à la Réunion, à cette époque ?
"Trouver des lieux où exposer nos peintures étaient déjà un problème majeur en 1993, alors je me suis allié à un tout jeune artiste qui n’avait jamais exposé, c'est Charly Lesquelin. Tous les deux nous décidions de prendre d’assaut la salle de la MJC du Tampon. De même nous avions pensé à monter ensemble une association de peinture. Cette dernière s'appelait « Art en ciel », l’idée d'une association d'artiste venait, en réalité de moi mais le nom" Art en ciel" c’était de Charly. L’association n’était pas encore déclarée à la sous-préfecture qu'elle n'aura pas eu temps de se concrétiser ou alors je dirai qu'elle avait existé tout juste le temps d'une seule exposition ! Il y eu un désaccord dans notre conditionnement d'exposition et par la suite nous avions abandonné l'idée d'association. Les autres artistes-peintres qui ont participé étaient : Marius Sinama, Dany Grondin, Karine Cochard et André Barret.
Après cette aventure je n’étais pas furieux ni pessimiste, je comprenais que le domaine artistique n’est qu’un monde de concurrence et de sans pitié. Les amis de l’école devenaient aujourd’hui des rivaux. C’était ma toute première leçon de ma vie d'artiste. J’ai par la suite continué à exposer en solitaire.
Aviez-vous trouver des lieux d'exposition facilement ?
"Facilement n'est pas la question disons que je n'étais pas difficile sur les choix des lieux d'exposition. En avril 1993, j’avais exposé à l'Espace Culturel à Sainte-Marie cité Duparc. je me suis engagé dans une voie qui ne me ressemblait pas jusqu’à présent, si je peux dire cela comme ça ! Mon art était essentiellement destiné à un public d’amateur, ou à des gens qui aiment au premier regard la peinture contemporaine.
J’avais certes, obtenu depuis peu un certain succès, puisque plus de la moitié de ma production avait été vendue, mais j’éprouvais néanmoins le désir de se détacher pour m’engager dans la voie, qui certes, est plus risquée par une expression picturale très personnelle. Le résultat de ces recherches est un mélange (par la forme), de surréalisme avec une addition de cubisme dans certaines toiles et notamment « le bazardiez malgré lui* » et du symbolisme dans la toile « kalou pilon*. Les couleurs chatoyantes, lumineuses et criardes n’avaient suffit pour ce public nordiste apprécie.
Cette exposition était délirante sur la forme et sur le style dans les toiles. Je me souviens qu'à ce moment là, j’étudiais les maîtres impressionnistes et les symbolistes. J’avais voulu établir un lien entre l’art de la décoration et voir un somptueux mariage avec l’impressionnisme ! J'avoue aimer le jeu des couleurs aux complémentaires. Les froides deviennent, chez moi, chaudes et vice versa.
Voici les articles de presses à propos de cette exposition, du 05 au 30 avril 1993, à l’espace culturel de la mairie de Sainte-Marie :
EXPOSITION: PAUL CLODEL A L’ESPACE CULTUREL DE SAINTE-MARIE
UN PEINTRE QUI SE CHERCHE...
Originaire de la Réunion, Paul Clodel, professeur de dessin et dessinateur en publicité en est à sa cinquième exposition. Celle qui se déroule actuellement à Sainte-Marie a une importance particulière dans le cursus du peintre, puisque d’une part, elle le rapproche de Saint-Denis, et d’autre part, c’est la première étape d’une démarche d’un style plus personnel.
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Jusqu’à présent, l’art de Paul Clodel était essentiellement destiné à « un public d’amateurs, à des gens qui aiment au premier abord, sans réfléchir »...Une « peinture alimentaire »en quelque sorte qui a, certes, obtenu un certain succès, puisque plus de la puisque plus de la moitié de sa production a été vendue, mais dont le peintre éprouve néanmoins le désir de se détacher pour s’engager dans la voie plus risquée d’une expression picturale personnelle. Le résultat de ses recherches est un mélange d’impressionnisme (par la forme), de surréalisme et de symbolisme encore hésitants dans un style résolument figuratif. Des couleurs chatoyantes, lumineuses pour les sujets comme « Les Petits Vieux », « Le Déjeuner sur l’herbe », « La charrette »… Des dégradés de gris pour « Le bazardiez», Le chat et le bananier » dont un élément coloré vient perturber l’harmonie. Paul Clodel, un pied dans la figuration, un autre dans ce qu’il appelle son « abstraction personnelle », touche du doigt des problèmes fondamentaux de la peinture tels que celui du cadre et du hors-cadre, de la matérialité de la peinture avec la présence de collages qui donnent une certaine force à des tableaux dont on regrette cependant qu’ils ne soient pas plus grands...
P.D.B
( P. de Bollivier de Star Télé magazine)
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SAINTE-MARIE
Paul Clodel plus « personnel »
Dessinateur en publicité, Paul Clodel a vite abandonné cette filière pour s’adonner à sa passion : la peinture. Il peint en 1984 son premier tableau. Encourager par Bernard Deberg, Paul Clodel utilise la gouache pour jeter sur ses toiles les scènes de la vie quotidienne et les paysages de la Réunion.
Jusqu’alors confiné dans les expositions du sud de l’île, cet artiste tamponnais de 26 ans vernit pour la première fois une exposition dans le Nord, dans les locaux du service culturel de Sainte-Marie (cité Duparc).
Parti d’un style naïf, privilégiant une peinture figurative colorée, Paul Clodel se dirige aujourd'hui vers « une expression plus personnelle, proche d’un style picassien ».
L’exposition des toiles de Paul Clodel se prolongera cité Duparc, jusqu’au 30 avril(1993).
Le « Quotidien » du mercredi 07/04/93 ● Page 9
Pourtant l’exposition n’avait pas eu le succès escompté…car les toiles modernes ne se vendent très peu sur l’île. Les touristes achetaient mes tableaux à 120 euros, l’équivalent de 800 franc en 1993. Bien qu'à cette époque la valeur différait plus ou moins en hausse si on compare à celle d'aujourd'hui, sauf qu'elle ne couvrait toujours pas les frais de vernissage. Je me rappelle que j’avais passé toutes mes nuits à confectionner de modestes cadres de bois, afin de mieux habiller mes toiles. Je voulais obtenir l'impacte d'une belle représentation sur le public nordiste. Ce fut pourtant le manque de visiteur de Saint-Denis ou des connaisseurs de sainte-Marie qui ont causé son échèc.
Mes peintures étaient entre le style symbolique et l'art déco. J’étais amoureux des couleurs et des formes. J’avais voulu établir un lien entre l'art déco et d'y ajouter du surréalisme, pour certaines de mes créations et du symbolisme pour d’autres. Je me répète: J’aimais jouer avec les couleurs complémentaires mais je reste tout demême, un figuratif. Mes sujets de prédilections n’étaient autres que la nature environnante, les paysages, les cases créoles, le déjeuner sur l’herbes*... Mes œuvres peintes ne pouvaient pas s’éloigner du style naïfs* qui étaient pour moi d’un grand intérêt majeur. Elle servait de mémoire pour l’histoire de l’île, avec ces cases qui n’existaient plus ou ces alambics de géraniums qui étaient démolies par le temps !
*Naïf n'est là plutôt par le sens du dessin simple à la présentation. Le naïf n'apparait plus parce qu'il y a un changement de style personnel qui grandissait. Les détails et les lignes maladroites disparaissaient.
A cette pareille époque, je me cherchais un style personnel. De même chose étonnante dans ma vie d'artiste: comme je n'avais rien vendu de cette exposition, j'ai par la suite et pour des raisons économiques (afin de poursuivre mon envie de peindre), tout repeint d'autres thèmes plus commerciaux sur ces même toiles modernes. Ce qui comptait pour un artiste qui débutait dans ce milieu, c’était le financement. Fort heureusement que mon salaire de petit fonctionnaire me permettait de vivre sous les tropiques et encore de manière simple. Le coût de la vie était si élevé, que je ne trouvais pas partout du matériel de qualité à bon marché. Je pouvais dire que ma passion me ruinait, mais je crois toujours en elle...
L’année 1994 allait être une année de naissance dans ma vie tout d’abord en juin la naissance d’un style de peinture « le traitillisme » et en juillet le plus bel évènement la venue au monde de ma fille Cécile".
Paul Clodel, on connaissait l'impressionnisme et le pointillisme, voici votre invention en 1994 s'intitulant le « traitillisme ». Pourquoi l'avoir initier à l'art réunionnais ?
"Ce qui faut savoir : Le traitillisme est créé en 1994, en atelier et était exposer pour la première fois en cette même année au collège de l’Oasis au Port. C’est Jean-François Sam-Long, illustre écrivain réunionnais, qui le reconnaît comme un style de peinture qui nécessite une recherche approfondie. Pour m’encourager dans la voie il achète ma première toile traitilliste qui s’intitule : « Les deux musiciens » (Collection privée de J-F-SamLong)".
Le traitillisme tient son origine dans le postimpressionnisme.
La première toile traitïsme de Paul Clodel C.
(La toile est sous ma première phase de recherche :"Le traitillisme" 1994).
Qu’est-ce que le postimpressionnisme et qui sont ses acteurs ?
« Le postimpressionnisme est un ensemble de courants artistiques qui, durant la période allant approximativement de 1885 à 1915, diverge de l'impressionnisme ou s'oppose à lui (néo-impressionnisme, synthétisme, symbolisme, nabis...).
"Le terme postimpressionnisme est une appellation extrêmement floue, appliquée principalement à Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Toulouse-Lautrec et Seurat, mais souvent utilisée pour décrire d'autres artistes progressistes qui suivirent la grande décennie de l'impressionnisme (1870-1880), comme Matisse, Bonnard ou Dufrénoy ».
Qui est donc le peintre postimpressionnisme qui vous intéresse le plus pour créer ce traitillisme ?
Un dimanche matin, toile traitïste, 10 F, 1996 de Paul Clodel Cochard, inspirée de Georges Seurat
"Ce qui m’intéresse le plus dans ces artistes peintres, c’est : Georges Seurat. Sa technique diffère des autres artistes de l’époque et son pointillisme pouvant se remplacer par uniquement le trait pouvait selon moi être son héritage artistique.
"Au cours de sa brève existence, ce peintre cérébral, cultivé, sophistiqué, dépasse avec détermination l’immédiateté “romantique” de la peinture impressionniste pour élaborer une méthode picturale fondée sur des lois scientifique précises et révolutionner le concept même de l’art figuratif. Son problème étant de trouver un lien entre l’art et la science et, plus précisément, entre la peinture, la physiologie et la psychologie de la perfection".
La pêcheuse, toile traitïste, 10 P, 1997 de Paul Clodel Cochard, inspirée de Georges Seurat
"La théorie de la peinture de Seurat se fonde sur l’optique ou plus précisément sur un concept appelé « le pointillisme* ». Celui-ci repose sur l'idée que la lumière résulte de la combinaison de plusieurs couleurs, et que donc un ensemble de points colorés juxtaposés peuvent, observés depuis une certaine distance, recomposer l’unité de ton et rendre la vibration lumineuse avec d’avantage d’exactitude. Georges Seurat s'est notamment inspiré des recherches que le chimiste français Eugène Chevreul avait menées à l'occasion de travaux de restauration de tapisseries, et s'est en particulier beaucoup intéressé à son essai "De la loi du contraste simultané des couleurs, publié en 1839 ».
Qu'est-ce le pointillisme ?
"Le pointillisme (ou néo-impressionnisme) est un courant artistique issu du mouvement impressionniste qui consiste à peindre par juxtaposition de petites touches de peinture de couleurs primaires (rouge, bleu et jaune) et de couleurs complémentaires (orange, violet, vert). On perçoit néanmoins des couleurs secondaires, par le mélange optique des six différents tons seulement. Cette technique est née en France notamment sous l'impulsion de Georges Seurat (1859-1891) puis de Paul Signac (1863-1935), à la fin du XIXe siècle".
Quelle est votre première phase de création ?
"Ma toute première phase de création artistique c'est " Le traitillisme".
Pourquoi le choix de peindre sur de allumettes?
< La ronde de joie toile traitilliste de Paul Clodel Cochard 1995, 12 P Collection privée.
"La période de la phase du traitillisme est beaucoup présent dans mon travail autour du thème : « Laisse a lu met son maloya(1) » ou « Laissez lui s’exprimer dans son maloya » (1994-1995). (1) L’écrit en créole voulait accentuer le coté allumette (a lu met) qui était un détonateur technique du traitillisme, lors d'une exposition de 1995. Le maloya est une danse folklorique qui remonte à l’origine de l’esclavagisme à la Réunion (danse traditionnelle d’origine Africaine, que les esclaves pratiquaient). Aujourd’hui cette tradition se perpétue et l’exposition de 1995 était donc l’occasion de rendre cet hommage".
"Je voulais réformer la toile "
"Ma composition était libre puisqu’il fallait disposer les allumettes sur une planche de contre-plaqué et de les collées de façon parallèle, en composant par des formes libres et je me reprends, afin d’obtenir un fond au tableau. Par un collage par pression et bien sur une protection du bois par un produit protecteur, le support dit « traitilliste » était prêt à l’emploi de la peinture. "Je voulais réformer la toile " et je pensais qu’en appliquant cette théorie je créais un nouveau support. "L’art est significatif de chercher l’origine et l’originalité reprend sa place" (autrement dit : chasser le naturel et il revient au galop ) :
« J’avais la sensation de croire au traitillisme et qui, sans peut-être l'intervention de l'écrivain réunionnais, J-F Sam-Long, ce style de peinture n’aurait pas vu le jour. D'autant plus que je me recherchais en peinture. Je me disais que cette visite inattendue allait bel et bien changer mon destin. Aussi, j'avais hâte de commencer le plus tôt possible mes recherches sur ce qui deviendra plus tard le « traitïsme ». Mais mon seul problème restait celui de la matière à employer, il me fallait travailler le support classique de lin qui soit plat tout en donnant une matière appropriée aux traits :
Si dans « les deux musiciens* » il y a un manque de variétés**, je devais compenser ce manque par la matière qui correspondrait le mieux aux traits. Il me fallait donc un support qui remplacerait le lin. Je me souvenais de la leçon apprise sur l’unité et la variété, et la composition du tableau. Il me fallait trouver la solution d’empâter la matière; avant tout j’optais pour ma première solution le support d’allumette. A la fin de l’année 1994, cette technique que j’ai entièrement inventée m’a donnée énormément du travail pour confectionner le support: Sur une planche de contre plaqué découpé sur mesure, j’appliquais avec de la colle de bois les bûchettes et je prenais soin d’enlever le soufre au bout, en les brûlants".
** « Variété de dessin ou peinture peut signifier différence graphique selon les artiste mais cela relève du style artistique, ou différence de traitement d'un objet et ça relève de la représentation artistique. La variété de dessins ou peinture d'un sujet est l'ensemble des possibilités typiques de représentation graphique d'un sujet quelconque il est préférable de fusionner avec l’unité ».
L'unité est créée par le caractère des traits, l'emploi systématique des hachures et le caractère très uni des couleurs.
La variété est apportée par les différences de caractère des formes géométriques (triangles, cercles, droites, courbes) que compose les allumettes, par les différences de dimension des formes, les contrastes de valeurs et les contrastes marqués des couleurs.
Quel est donc le but des supports d'allumettes dans vos toiles?
<"Vingt décembre" toile traitilliste de Paul Clodel Cochard (col.privée) 1995.
"Ce support est baptisé « support traitilliste» ce dernier, apporte à ma peinture aux traits une matière riche et intéressante. Dans la toile intitulée : Vingt décembre, les allumettes collées en forme d’un X symétrique, composaient donc le format. En appliquant la peinture avec la technique aquarelliste, on apercevait la trace noire que faisaient le souffre brûlé, ce qui donnait un aspect inattendu à la toile. Puis dessus la peinture j’ajoutais des traits de couleurs pures juxtaposées. Elles étaient posées de manière oblique sur la droite la plupart du temps. Avec ce genre de compositions, c’est à dire, de manière linéaire ou bien géométrique; on ne peut qu’obtenir une composition qui se rapproche de près de l’art abstrait. Je projetais même de marier l’abstraction avec la figuration, mais pour le moment je me contentais de pratiquer un genre de peinture très différent et qui me demandera énormément d’heures de patience. C’était au mois de décembre 1995 que j’organisais l’exposition intitulée : « laisse à lu met son maloya », à la médiathèque de la ville de Saint- Pierre".
Pourquoi cette passion pour les allumettes?
"La phase du traitillisme était devenue de surcroît ma véritable passion, puisque j’investissais tout mon temps à réaliser des œuvres dans ce contexte. Cette passion pour les allumettes remontais déjà très loin dans mon enfance car ma mère découvrant le prénom "Clodel"(1) sur une boite d’allumette l’aima tellement que ce fut le prénom qu’elle me donna, aussi je ne pouvais être attiré par les bûchettes. Mais à bout de souffle et je pensais bien réviser ma copie, avant d’être aussi allumé par cet élan de folie qui me gagnait dans l’achèvement d’un triptyque de six mètres de long sur un mètre vingt de haut. De même, les médias se sont approprié l’événement, concernant l’application des petits bouts de bois posés et collés les uns contre les autres".
Comment le public réunionnais a réagi à cette expo plutôt insolite ?
"Le succès de mon exposition à la médiathèque par le biais d’un reportage au journal télévisé sur "RFO" (Réunion 1er) a suscité chez les réunionnais leur curiosité. Je n’avais rien vendu mais cela m’avais donné un «vert espoir» de croire au traitillisme. Certes, je ressemblais pour certains, à un personnage marginal et de plus allumé de la société; mais après tout, je ne suis qu’un artiste qui se plaisait à poser des milliers de bois d’allumettes et se satisfaisait du résultat. L’exposition terminée, je rentrais à l’atelier du Tampon, avec cette envie de croire au désespoir, car je n’avais rien vendu, à part bien sur quelques recueils de poésies. J’eu alors l’impression que mon « vert espoir » devenait alors « noir espoir », aussi je décidais de revenir à la toile de lin pour gagner du temps »…
Quel sont les supports dans la peinture?
« A l’image de l’aspect physique d’un être humain, un tableau est aussi constitué de trois éléments déterminants qui expriment ses qualités ou ses défauts, à savoir que son squelette est représenté par le support (toile, bois, carton entoilé, ou contre plaqué…).
Sa chair est représenté par la matière picturale (huile, acrylique, aquarelle, fusain, sanguine…).
Son épiderme est qu’en à lui est représenté par la couche de vernis de finition, mais de plus en plus les peintres ne revêtent plus de vernis sur leur toile ».
Jusqu’au XVème siècle, les supports étaient des simples panneaux de bois. Bien sur ils choisissaient les « essences » du bois, selon d’une, les moyens de l’artiste-peintre ou selon les Régions qu’ils vivaient. Ces derniers choisissaient avec soin leur bois de support de leurs futures œuvres. Le bois quant à lui épousait la peinture et les choix étaient ceci en fonction des régions : le chêne, le noyer, le tilleul, le peuplier, le saule et le pin ou cèdre…
De nos jours les contre-plaqué et Agglomérés (Acajou ou d’Okoumé) ils ont une qualité de texture qui sont excellente et qui permet de fabriquer un bon support à peindre.
Dans les supports du peintre il ne faut pas oublier le fameux carton entoilé. Ce sont des cartons recouverts d’une toile de coton apprêté d’une enduction universelle, peu absorbante pour la réalisation de la peinture à l’huile ou à l’acrylique. Le carton entoilé est un support très convenable à peindre. Elle permet la réalisation picturale à moindre frais et par du coût accessible au débutant ou au voyageur.
Pour en terminer sur la plus traditionnelle et incontournable support du peintre : la toile de lin. Ce tissage est déterminé par son grain, plus qu’il est fin et régulier plus qu’il permet de travailler en nuance et en demi-ton, et favorise la réalisation des détails. Le grain le plus marqué favorise quant à lui une technique plus vigoureuse, en évitant l’apparition d’éventuelles craquelures".
Le support en bois d’allumette est unique pour le moment dans la peinture contemporaine ! ( J'émet certes l'hypothèse jusqu'à la preuve du contraire).
Les marrons, toile traitilliste de Paul Clodel Cochard, 1995, avec la marie Louise en bois d'allumette peinte et prolongeant la toile (1).
Êtes-vous satisfait du traitillisme ?
"Avec le recul, cette première exposition traitilliste qui m’avait apporté beaucoup d’expériences enrichissantes et personnelles ; je voulais absolument faire connaître le traitillisme aux publics réunionnais. Je savais éperdument que si je voulais continuer dans cette voie, il me fallait apporter une modification à mes tableaux. Je commençais donc par le cadre, qui lui aussi composé de bois d’allumettes, me semblait vouloir étouffer ma peinture. Dans "laisse a lu met son maloya" les regards des spectateurs se laissaient dévier par le cadre en bois naturel. Aussi en le supprimant totalement et en repeignant sur la marie-louise(1), je redonnais à l’œuvre sa force visuelle. De même, je continuais de réformer le nom ‘traitillisme’ ma première phase de recherche. Je trouvais que dans le contexte moderne, aujourd’hui, le nom devenait trop long. Je voyais plutôt à sa place, un nom qui serait plus court comme : traitïsme et de même un mot qui rassemble toutes mes phases de créations en une seule famille.
Pourquoi aviez-vous rajouter un tréma sur le "i" du mot traitïsme?
"Je ravissais le ï du mot traitïsme, en faisant là un clin d’œil à mes débuts au lycée où j'étais artiste-peintre d’art naïf. Ce nouveau mot me permettait aussi de me démarquer des autres artistes de passage sur l’île et qui oseraient prendre ce nom pour la diffuser. Je revendique la paternité de ma technique de peinture aux traits. En écrivant de la sorte le traitïsme, je contribue aussi à sa défense".
En quelque sorte c'est un copyright ?
"Si on veut dire cela comme cela, car il existait bien un mouvement "traitiste" de 1983 en Europe et dont leur magazine était "Cyberdada". Fort heureusement qu'ils n'étaient pas des adeptes de la peinture aux traits mais des intellectuels qui avec le mouvement d'Extrème Jonction critiquaient la société moderne à travers l'art (musique, poésie et peinture).
Que signifie pour vous le mot "traitïsme" ?
Etymologie du mot : trait (Wikipédia)
D'un latin populaire *tragere, réfection du classique trahere « tirer »
Nom commun « trait »
(En particulier) Lignes d’un dessin qui n’est pas ombré.
- Dessin au trait, au simple trait. - Il s’est contenté d’en faire le trait.
Etymologie : de « isme »
Du grec ancien -ισμός, -ismós qui a donné -ismus en latin.
Suffixe : -isme /ism/ masculin
Utilisé pour former un nom correspondant à une doctrine, un dogme, une idéologie ou une théorie.
- communisme, libéralisme, hédonisme,darwinisme
Le traitïsme : n, masculin,théorie artistique qui définie l’utilisation du trait (en couleur ou en noir) dans la peinture.
Le traitïsme consiste à peindre sur une toile une multitude de petits traits ou des hachures en se servant uniquement de couleurs pures. Ainsi, en observant mon œuvre à une certaine distance, l’œil perçoit des tons secondaires, grâce à une illusion d’optique causée par la juxtaposition des traits colorés, mouvement similaire à celle de Georges Seurat (1850-1891) le pointillisme.
N'est-ce pas un peu scientifique ? (A.P.C.)
"Rien n'est de scientifique, ce ne sont là des mots techniques qui sont employés en peinture. Pour revenir sur la théorie de la peinture de Seurat, qui se fonde sur l’optique ou plus précisément sur un concept appelé pointillisme (le point pour Seurat et le trait Pour moi). Ce traitillisme ou traitïsme se repose sur l'idée que la lumière résulte de la combinaison de plusieurs couleurs, et que donc un ensemble de traits colorés juxtaposés peuvent, observés depuis une certaine distance, recomposer l’unité de ton et rendre la vibration lumineuse avec d’avantage d’exactitude. Je cite que Georges Seurat s'est notamment inspiré des recherches du chimiste français Eugène Chevreul. Ce dernier avait menées à l'occasion de travaux de restauration de tapisseries, et s'est en particulier beaucoup intéressé à son essai "De la loi du contraste simultané des couleurs, publié en 1839 ».
Considère t-on le traitïsme comme une autre phase à vos recherches ? (A.P.C.)
"Je considère le traitïsme comme le nouveau nom de ma recherche artistique. Ma seconde phase au traitïsme auquel apparaisse mon ancien style le naïf est le traitïsme-naïf ".
« Le terme art naïf aurait été utilisé pour la première fois au xixe siècle, pour qualifier les œuvres du peintre Douanier Rousseau, qui peignait hors des normes académiques, sans suivre pourtant les recherches picturales de l'avant-garde de l'époque : les impressionnistes. Considerez-vous comme un naïf dans votre seconde phase : traitïsme-naïf ?
"Le mot naïf reste une appropriation de l'art naïf mais contrairement du Douanier Rousseau ma peinture a une modification au terme naïve. Je me considère comme un avant-gardiste de l'art réunionnais!
Je reproduisais mes œuvres tout en m’inspirant de Georges Seurat (1859-1891), (le pointillisme). Mais il était évident que je ne le copier pas, je voulais obtenir un style personnel qui était basé sur ses compositions (traitïsme : voir l'Hommage à SEURAT de Paul Clodel en cliquant ici).. Alors je tentais le trait, mes tableaux en étaient composés d’une multitude de petits traits obliques, posés à même la toile, toujours dans le même sens, c'est déjà du post-impressionniste.
« Si le traitïsme est maintenant mon propre style , je suis un avant-gardiste et cela me plaît ! Estiment de même que mon support traitiste (les allumettes) me demandait trop de temps à le concevoir, j’ai laissé un peu de coté les bûchettes de boispour peindre et revenir sur la toile de lin. De même je repeignais aux traits sur mes anciennes toiles naïves. Ce qui ajoutait à mon art une nouvelle phase que j'avais baptisé: " traitïsme post-naïf ",(ma troisième phase). Ma conception était toujours la même; je peignais mes tableaux normalement dans un style naïf ou autre sans me soucier du trait. Avec un pinceau n°4 ou n°6, j’apposais en obliques les traits de couleurs pures sur des supports variés : de la toile de lin qui est déjà enduite ou sur des planches des allumettes".
Est-que le traitïsme-post-naïf se différencie t-il de l’art naïf ? (A.P.C.)
"C'est toujours de mise au traitïsme-naïf, il y a certes des maladresses dans le dessin pour accentuer ou provoquer un style de peinture post-impressionniste particulier.
Je vous cite en exemple une toile intitulée : « la basse-cour du vieux Paul, 1999 »* c'est une toile traitïste post-naïve. On y remarque cependant que les traits sont peints en obliques sur la droite. La naïveté du dessin est contrôlée par la composition divisionnisme. Par conséquence cette œuvre n’est pas naïve mais visiblement on peut penser qu’elle est. Il y a le respect volontairement par l’artiste. Les trois règles de la perspective occidentale. La taille des objets est proportionnelle à la distance, l'atténuation des couleurs avec la distance est respectée et il n’y a pas de la précision dans les détails contrairement aux peintres naïfs".
la basse-cour du vieux Paul, 1999 de Paul Clodel
«Je peignais ces scènes locales en respectant la composition divisionnisme étudiée chez Georges Seurat. La conception était la suivante ; avant de dessiner je divisais la toile en son milieu sur la longueur et la largeur et je répétais cette opération jusqu'à obtenir un quadrillage. En suivant les théories de Seurat, le créateur du pointillisme, j’obtenais le mode de division de couleurs qui détermina la composition. Par analyse des plans dans ces œuvres, on peut par la suite en utilisant les lignes de compositions aligner tous les objets et personnages que comptent la scène. Dans « la basse-cour du vieux Paul », les poulaillers sont positionnés d’une façon à ce que tout suit les lignes horizontales et verticales. Cette composition divisionnisme reste cependant invisible dans ma peinture. C’est seulement lorsqu’on quadrille en superposition l’œuvre qu’on devine sa présence".
Alors pourquoi parler de « naïf » dans vos œuvres ?
"On peut penser qu’il y a de la naïveté dans le style du dessin de mes peintures. J’ai été formé par un grand maître d’Art Naïf Moderne, André Oudet (1942-1999).
Que représente André Oudet pour vous ?
« Comme tous les grands peintres, André Oudet peintre Comtois a forgé son style, ce dernier qui n’appartient qu’à lui. Il peint les hommes, les paysans, les ouvriers, les artisans à la fois au travail ou dans leurs luttes, mais aussi dans l’intimité du foyer familial. Sa composition et son travail sur les couleurs font surgir avec une force particulière la beauté d‘un geste ancestral en même temps que celle d’un visage de femme ou d’ un enfant .Il reste en ceux qui l’on courtisé tous les jours et comme moi pendant deux années au lycée de Saint-Pierre, Réunion (1983/84), en session de dessinateur publicité, un grand peintre.
D'André je rends un hommage posthume : en rajoutant le i tréma à mon traitïsme en pensant au mot naïf. Ceci fait de ma peinture une signature. Aussi le « ï » du mot traitïsme est là pour le rappeler.
Par conclusion le traitïsme post-naïf casse les lois de l’art naïf et apporte une restructuration au mouvement en elle-même. Je conclure que le traitïsme est un style pictural qui peut se retrouver dans tous les autres styles de peintures.
Ce qui évoque à savoir : qu’est-ce qu’un style en peinture ?
"C'est un peu compliqué mais selon Céline Flécheux, cours master : Le style 2008: "Contrairement à la littérature ou à l’architecture, le style n’est pas à proprement parler un problème en peinture ou dans les arts visuels. Il n’y a pas de cours de stylistique des arts visuels dans les parcours d’histoire de l’art, ni d’exercice sur l’identification des différents styles. Voilà qui est surprenant de la part de l’histoire de l’art, discipline qui se fonde précisément son « historicisation » sur la notion de style, en vue de déterminer des époques (classique, baroque, romantique, naïf…) et d’identifier des artistes (certains sont capables de reconnaître des artistes uniquement par leur style quand manque la signature, tel l’expert-historien de l’art Bernard Berenson, 1865-1959).
Proust disait : "le style n’est pas une question de technique, mais de vision".
Coté expo: parlez nous de vos expositions traitïstes ?
"Je vais vous parler de mon voyage en métropole et ma première exposition collective métropolitaine à Rillieux- la-Pape, Lyon en 1996 :
J’avais eu l’occasion au mois de mai 1996, d’exposer en métropole, à Lyon plus exactement, à la suite d’une invitation de l’U.D.A.R, mon ancienne association de peinture. J’étais l’accompagnateur des travaux d’artistes réunionnais et je devais, pendant quinze jours, les représentés. L’exposition intitulée : « le 4e salon des Rilliards » était à l’espace Baudelaire à Rillieux-la-Pape.
Cette exposition avait rencontré un certain succès et avait été surtout l’occasion de faire connaître le mouvement « traitïste » (encore certes solitaire), et de le relier à son auteur, Paul Clodel Cochard. En effet mon nom fut cité à maintes reprise dans les journaux locaux; mais, à ma grande déception aucun commentaire n’étaient fait sur mon travail. La presse qualifiait nos peintures Réunionnaises de qualités et de grandes variétés artistiques. Il fallait souligner que sur 140 œuvres exposées, les allumettes ou le traitïsme ne faisaient pas feu. Il y avait cent cinquante personnes lors de ce vernissage, et on se marchait dessus pour pouvoir atteindre la collation. Je pense parfois que certaines personnes dans cette salle ne sont pas venues uniquement que pour l'art. J’ajouterai qu’il est décevant chez un artiste de ne pas être remarqué du public. Je dirai pour conclure que l’important c’était d’exposer à un endroit autre que son île(Rillieux- la-Pape, Lyon).
A mon retour à La Réunion, je me suis promis en 1997, d’y retourner afin de monter une exposition personnelle. Étant donné notre position dans l’Océan Indien, les artistes Réunionnais doivent obligatoirement passer par la France pour se faire connaître".
Avez-vous réalisé ce projet ?
"Aussitôt dit aussitôt fait ; au début de janvier 1997, j’étais de nouveau en métropole, non pas pour exposer, mais plutôt pour des vacances chez mon oncle, dans le but de trouver individuellement un lieu d’expo. Après quinze jours passés à Montluçon, sous une neige qui ne s’arrêtait pas, je me sentais désespéré et nostalgique. J’avais envie de rentrer chez moi à la Réunion pour me faire bercer dans les bras chauds de mon île.
A l’arrivée des beaux jours l’oncle Jean-Pierre Dijoux me firent connaître la ville de Montluçon; c’était ma première sortie après la fin de la neige, et cela me fit énormément plaisir. Nous marchions le long des rues quand soudain, à hauteur d’une librairie, je m’arrêtai pour lire une affichette. Cette dernière annonçait une exposition qui se déroulait à l’intérieur du magasin. Nous y entrâmes et il y avait effectivement une exposition d’œuvres d’artistes de Montluçon. Qu’elle joie pour moi qui en cherchais désespérément une expo. D’ailleurs elle était à mes goûts et je l’appréciais avec l’envie de croire à la mienne un jour ou l’autre. En me renseignant auprès du directeur de la librairie, (puisqu’il s’agit d’une librairie au rez-de-chaussée et l’expo se trouve en haut des mezzanines, dont le nom de la galerie « Mezz’Art 41 »). J’apprenais par la suite que ces artistes-peintres appartenaient à une jeune association dont le nom : « Pole Art ».
J’avais de même pris des renseignements sur son Président et sa rencontre m’encouragea, puisqu’il me promettait une éventuelle possibilité d’exposer en 1998, à Mezz’Art 41. Cette nouvelle me remplissait de joie et me donnait enfin du baume au cœur et l’espoir de retrouver cette ville l’année suivante.
Coupure du journal de Lyon et du Rhône " LE PROGRES" Vendredi 10 mai 1996 (page 11).
Rillieux-la-Pape
[Le soleil de la Réunion au 4e Salon des Peintres rilliards…
Pendant six jours, avec un Espace Beaudelaire ouvert exceptionnellement ce week-end, le centre culturel accueille la 4e édition des peintres Rilliards. En fait la 22e exposition d’art plastique organisée par l’Association Sportive et Culturelle des Semailles…
1996 est l’occasion d’une première avec la présence de 21 toiles et sculptures représentatives de la création artistique dans l’ïle de la Réunion. Un parfum d’exotisme grâce à l’Union des Artistes de la Réunion, avec la présence de son président Claude Doussineau et de Paul Clodel Cochard, qui a été rendu possible avec la complicité des Réunionnais de Rillieux-la-Pape...]
Quels sont vos expositions traitïstes à la Réunion ? (A.P.C.)
"De retour dans mon île natale La Réunion, j’ai reçu une invitation pour organiser une exposition dans la cité bénédictine à l’Office Culturel Bénédictine (O.C.B) à Saint-Benoît qui m’offrait ainsi, l’occasion de leur faire connaître ce nouveau mouvement le traitïsme.
Le quotidien de la Réunion par M. L décrit cette exposition :
« L’artiste joue avec les allumettes (ci-dessous l'article),
Des couleurs de la vie réunionnaise comme on les a rarement vues, c’est ce que propose l’artiste-peintre Paul Clodel. Il expose dans un style particulier, le traitïsme dont il revendique la création. Son matériau de prédilection : des allumettes ».
Dès mon retour dans mon île natale, j’ai reçu une invitation pour organiser une exposition dans la cité bénédictine à l’Office Culturel Bénédictine (O.C.B) qui m’offrait ainsi, l’occasion de leur faire connaître ce nouveau mouvement le traitïsme.
LA REUNION
Quotidien du lundi 5/05/97 ●Page 5
TABLEAUX DE PAUL CLODEL A L’OCB
L’artiste joue avec des allumettes
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Des couleurs de la vie réunionnaise comme on les a rarement vues, c’est ce que propose l’artiste-peintre Paul Clodel. Il expose dans un style particulier, le traitïsme dont il revendique la création. Son matériau de prédilection : des allumettes.
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Paul Clodel doit son second prénom- qui lui sert désormais de patronyme- à une boite d’allumettes. Un hasard qui fait drôlement bien les choses puisque depuis plus de dix ans maintenant il a choisi de les utiliser dans sa création artistique. Au départ, il en construira un immense bateau, des reproductions d’œuvres diverses. Le Tamponnais d’origine, aujourd'hui âgé de trente ans, s’oriente vers la peinture et les arts graphiques à quinze. Les dessins publicitaires l’attirent particulièrement. Il se penchera ensuite sur les livres des grands peintres célébrissimes comme Monet, Manet. L’inspiration aidant, il reproduit, à sa mesure bien évidemment, des œuvres de ces maîtres en y ajoutant une pointe de créolisation de plus surprenante.
Il s’est aussi essayé au pointillisme à la façon de Georges Seurat. « Mais je ne voulais pas copier, je voulais avoir un style propre, qui me soit personnel ». Alors il tente le trait. Son tableau est composé d’une multitude de petits traits obliques, posés à même la toile, toujours dans le même sens. « C’est maintenant mon propre style, je suis un avant-gardiste et cela me plaît. Les visiteurs qui viennent à mes expos sont surpris. C’est ce qui compte, étonner. A chaque fois, c’est nouveau et donc les gens ne se lassent pas ».
« Je suis un créateur »
Estiment que son « traitïsme » sur toile ne donne pas suffisamment de relief, il opte souvent pour ses fameux bois d’allumettes. Sa série de tableaux représentant des scènes de danse de maloya autour du feu est attirante. Les couleurs chaudes utilisées dégagent une convivialité assez réaliste. « Pour chaque tableaux, je colle entre 5000 et 8000 bois d’allumettes. Au départ, celles que mon épouse utilisaient était suffisantes. Mais rapidement j’ai dû en acheter. En réalité, j’ai toujours été attiré par les allumettes. C’est certainement mon prénom qui veut ça ».
Paul Clodel s’inspire aussi du surréalisme en jouant sur fonds noir et blanc avec une unique couleur qui se détache de l’ensemble. Une technique qui lui réussi plutôt bien, surtout lorsque les sujets sont soigneusement choisis. C’est que cas par exemple de ce chat assis au bord de la fenêtre d’une case en bois sous tôles et qui semble voir en couleur le régime de bananes, juste à côté. Le seul élément qui sort de l’ensemble de l’image. L’année dernière, l’artiste a été désigné par UDAR, pour accompagner des œuvres de Réunionnais en métropole. Du coup, il expose actuellement quelques tableaux à la galerie 90 de Béthune.
Après des tentatives dans le naïf – qui d’ailleurs se ressent dans certains tableaux exposés à Saint-Benoît – Paul Clodel dit avoir enfin trouvé sa voie. Juste avant de rectifier :
« J’ai encore beaucoup de choses à faire. Certains pensent qu’en peinture tout a été fait . Je ne suis pas de ceux-là, il reste encore des techniques à trouver. Je suis un créateur ».
M.L.
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ÉCHOS
Peinture/Exposition
Paul Clodel vous invite à découvrir son exposition de peinture qui se tiendra du 7 au 15 juin à la salle Beaudemoulin, située au 97, rue Albert Fréjaville au Tampon. Cette exposition, consacrée à la Réunion, aura pour thème le Traitïsme.
Vous pouvez découvrir, dans un premier temps, les œuvres de Paul Clodel et ses superbes tableaux composés de multitudes de petits traits obliques posés les uns contre les autres dans le même sens, en général des allumettes. Puis, dans un deuxième temps, le public pourra admirer les œuvres de Marius Sinama qui, en plus de ses tableaux habituels, exposera ses premiers dessins en noir et blanc propres au mouvement traitïsme.
N°45 du 10/06/1997
J’ai présenté à la population de Saint-Benoît mes dernières œuvres dont une quinzaine que j’ai gardé mon matériel de prédilection que sont les allumettes. Je suis un avant-gardiste. (Pour rappel), « la technique avec les bois d’allumettes donne du relief à l’œuvre. Estimant que le traitïsme sur le lin ne donne pas suffisamment de relief j’opte pour ses fameuses bûchettes de pins qu’est l’allumette. Ma série de tableaux représentant des scènes de danse de maloya autour du feu dont les couleurs chaudes qui sont utilisées et qui dégagent une convivialité assez réaliste, m’ont fallu plus de vingt milles bois d’allumettes ».
Vous continuez de peindre sur des allumettes ?
< Point d'intérrogation, toile du traitïsme post-naïf, de Paul Clodel Cochard, première version en 1992 et traitïsme en 2000, 10 P. (Col.privée)
< Le chat et le bananier, toile du traitïsme post-naïf, de Paul Clodel Cochard, première version en 1990 et traitïsme en 1997, 12 P.(Col.privée)
" Non pas vraiment, dans cette exposition, le public pouvait découvrir une pléiade de couleur néo-impressionnisme et aussi, mes recherches sur l’art. Les études que je présentais aux visiteurs, montraient cette possibilité de somptueux mélange de styles. Je citerai par exemple une œuvre : ‘ Point d'interrogation*, à travers laquelle j’avais pu démontrer la possibilité de marier l'art naïf et d’y ajouter en peignant en couleur seulement la mère et le reste tout en gris. D’ailleurs cette maman semble vouloir réfléchir. A qui ? A quoi ? Peut-être bien qu’elle pense à ses nombreux enfants, ou à son destin !!! Dans ce tableau, on peut apercevoir en font des enfants. De même l’atmosphère grise et bleutée dégagée dans cette peinture nous rappelle la technique du surréalisme.
Cependant avant de satisfaire votre curiosité, laissez moi vous donnez un autre exemple de mes peintures qui est similaire au Point d'interrogation; c’est le chat et le bananier la technique du noir et blanc se répète. Ce qui crée un style sans en être un ! Si nous voyons de nos yeux la régime de banane (en couleur verte et rouge griotte), la perception des chats et même des daltoniens sont différentes des nôtres : ils ont leurs problèmes des couleurs, avec la confusion des rouges et des verts. Je trouve dans cette toile a un sens de surréalisme, par l'apport du fond grisant. C'est pour cela que j'ai baptisé cette série de traitïsme-surréalisme".
Vous vous recherchez encore en peinture ?
< Le p'tit marchand de légumes et " Le pont japonais" toiles traitïstes-géométrique de Paul Clodel année 1999.
Je que oui car je suis avant tout un chercheur de phases picturales. Ma 3ème Phase de création est "Le traitïsme-géométrique" et je vous doit une explication :
Lorsque que j’ai commencé l’exposition du 07 au 15 juin 1997 avec Marius Sinama* à la salle « Charles Beaudemoulin » au Tampon-Réunion, je ne pensais pas que j’allais donner naissance à « un mouvement pays »; l’idée de faire une peinture de traits de couleurs a donné le traitïsme . Est-ce un style ou plutôt une technique artistique ?
Si ma technique artistique épouse tous les mouvements existant à l’exception du pointillisme. J’ai répondu à ma question, c’est une technique artistique. Il reste que ma signature est le trait coloré qui unifie le support.
Le «traitïsme géométrique» n’avait pas eu d’amateur mais sa composition est intéressent. D’une part elle prouve bien que ma technique traitïste épouse bien les différents mouvements et d’autre part elle aborde la voie de l’abstraction. Dans le tableau intitulé « le rameur**» œuvre peinte de façon traitïste géométrique, je tends à rendre la nature à la mathématique. Pour ce fait; je simplifie les formes de la nature en: des cubes, des ronds, des triangles et des losanges. J’utilise la composition divisionniste chère à Georges Seurat et je la transforme à ma façon afin d’accentuer mon travail.
*Marius Sinama Pongole (père de Florian Sinama Pongole le footballeur) artiste-peintre Réunionnais de Saint-Louis
**Ici il n'y a que des formes géométriques mais elles sont variées par leur forme et leur taille. Elles ne sont pas séparées mais se mélangent par superposition. Ceci permet de suggérer un espace en profondeur composé de plans successifs. Les valeurs et les couleurs sont variés. On a à la fois de l'unité et de la diversité ou variété. Tout ceci apporte un intérêt à la peinture traitïste. Remarquer que la composition divisionniste est mise en avant par le jeu de quadrillage. Certes il y a là, une composition organisée.
Cette nouvelle phase de création peut se résumer par la simplification des formes. Pour moi tous les corps sont modulables, de même pour la nature. C’est souvent en hiver qu’on retrouve des arbres qui n’ont pas tous perdus leurs feuilles et qui ressemblent par leur silhouette à des ronds. Les troncs sont simplifiés par des rectangles. Les montagnes, la voile du bateau et le toit du kiosque sont transformés en triangle.
Naissance d’un mouvement Réunionnais !
Qui était à l'origine du mouvement traitïste Réunionnais ? (A.P.C.)
Je suis l'origine d'associer des artistes qui me suivaient dans le trait en mouvement tout simplement:
« La pratique de l’Art est d’autant plus intéressante si elle se double d’une solidarité active. Cette solidarité, d’autres peintres de renommée internationale ont réussi à la vivre avant vous, et je pense que vous vous inscrivez naturellement dans cette continuité. Ce qui est vrai pour l’art pictural l’est aussi pour la musique, la littérature. Bravo pour votre enthousiasme, en espérant que d’autres artistes rejoindront bientôt le courant réunionnais du traitïsme. Que vos expositions, tant à la Réunion, dans la région de l’Océan indien, qu’en France, soient autant de succès auprès du grand public ». Jean-François Samlong, 1998.
Cette affirmation de l’écrivain réunionnais, Jean-François Samlong, citée à propos du mouvement traitïsme Réunion synthétise avec affinité le caractère innovateur de son père fondateur Paul Clodel Cochard. Ce dernier, artiste peintre, a causé la première école de l’Île de La Réunion.
Naissance d’un mouvement Réunionnais
L' idée que j’ai peaufiné de créer un mouvement réunionnais, semble trois ans après avoir porter ses fruits. Lors de cette expo à Beaudemoulin, au Tampon, J’ai vendu plusieurs toiles aux traits, et d’ailleurs je ne pourrais peindre autrement. J’étais assez satisfait de ce résultat qui démontra que les réunionnais étaient aussi des collectionneurs d’images relatant nôtre île. Ce qui avaient plus attirés mon publique c’étaient les scènes figuratives et réalistes.
Racontez nous le début du mouvement traitïste et qui ont été ses acteurs artistiques ?
Pour en revenir sur ce mouvement Traitïsme Réunionnais, Marius. Sinama qui exposait avec moi à la salle Charles Beaudemoulin au Tampon. Ne s’inscrivant pas dans cette exposition comme un véritable artiste traitïste, Marius Sinama, s’inspirait plutôt des œuvres du lithographe Antoine Louis Roussin *. Ce dernier nous a laissé un certain nombre d’images sur La Réunion. Sinama s’inspira de ces clichés et en utilisant l’encre de chine les couchent sur papier Canson, de ce résultat, il constituait sa reproduction personnelle.
Je faisais par la suite la rencontre de deux autres artistes-peintres par le biais d’une exposition sur le terre-plein de la mairie de Saint-Louis. Ils s’agissent de Claude Bègue et de Tristan Hoarau. Tous les deux me questionnaient sur le traitïsme, et je me souvenais d’avoir écrit ce nom au dos de mes toiles ou dans le certificat d’originalité et d’authenticité. Mais ce qui ne pouvait pas être cachés c’étaient les traits sur les tableaux, si on reprend les thermes de Céline Flécheux, (certains sont capables de reconnaître des artistes uniquement par leur style quand manque la signature, tel l’expert-historien).
Claude Bègue, Tristan Hoarau et Marius Sinama tombaient d’accord pour s’essayer à ce « mouvement pays » et pourquoi-pas être un co-fondateur de ce mouvement qu’est le traitïsme, disent-ils ?
"J’étais prêt à partager avec eux ce mouvement à la condition que leur travail aurait le résultat escompté" !
*Je me suis investie et je me suis inspiré dans le travail d'Antoine Louis Roussin , ce dernier est l'auteur de Souvenirs de l’île Bourbon puis d'un Album de La Réunion dans lequel intervinrent plusieurs grands auteurs de la littérature réunionnaise tels que Louis Héry (Extrait de Wkipédia que je vous propose de lire la biographie d'Antoine Louis Roussin).
"Site de la Rivière d'Abord" gouage de Paul Clodel,(~1990) inspirée de la lithographie d'Antoine Louis Roussin
Le pont de la Grande Ravine de Saint-Leu, toile impressionnisme de Paul Clodel,(2010) inspirée de la lithographie d'Antoine Louis Roussin
Le pont de la Petite Ravine, toile impressionnisme de Paul Clodel,(2010) inspirée de la lithographie d'Antoine Louis Roussin
Les toiles ci-dessus ne sont pas des toiles tratïstes.....
Avez-vous penser qu'à cette époque que ce mouvement portera ses fruits ? (A.P.C.)
J’ai voulu savoir, si au bout de dix passages de traits de couleurs sur la toile et sur plusieurs tableaux existants (peinte dans une technique différente que le traitïsme ), si moi même, je serai un peintre traitïste. Il faut croire au traitïsme et les futurs adeptes du mouvement traitïsme de la Réunion l'ont partiellement crus !
C’est vrai qu’au bout d’un certain nombre d’apport de traits sur une même surface, on s’arrête ou on poursuit dans cette voie. Claude Bègue reprenait ses toiles et le repeint par dessus aux traits. Souvent et je l’avoue c’est le procédé à faire car imaginer le travail demandait pour effectuer une œuvre si je procèdais par le l’apport du trait directement. Georges Seurat (1859-1891) en fit de même pour ses nombreuses toiles pointillistes. Il est à noter qu’une seule de mes toiles est peinte entièrement aux traits, c’est « les deux musiciens ». Ce dernier m’a demandé, souvenez-vous, d'un travail sur la matière (l’allumette). En peignant la toile directement de façon traditionnelle d’une part, c’est un gain considérable pour la mise en place du tableau et d’autre part, je peux apporter l’épaisseur de la croute de peinture comme je veux, et qui remplacera les allumettes. J’ai conseillé Claude de le faire et il s’en réjouit par l’idée innovatrice du traitïsme.
Tristan Hoarau, en me proposa une innovation très intéressante dans le mouvement du traitïsme en peignant des traits dans la peinture fraîche à l’aide du tranchant de son couteau. Ce procéder n’est pas à rejeter car elle facilite le mode de création. Il m’expliqua et je voyais son procéder de technique pictural. Il peint sur la toile sa scène ou son paysage avec son matériel de prédilection le couteau du peintre. Puis avant que la peinture sèche et à l’aide du tranchant du couteau il strie jusqu’à parvenir à des formes de trait en couleur.
Sinama quant à lui me présenta son œuvre, je restais un peu sceptique car bien qu’il utilisait des traits dans sa peinture il me semblait que ces tableaux peints à l’encre de Chine se rapprochaient plus du pointillisme que du traitïsme. Je fus très dubitatif quant à la suite à donner à sa participation au mouvement traitïste. Il a cependant participé à l’exposition faite en 1997; néanmoins je leur avais fait la promesse de les exposer en 1998, à la seule condition de me produire une douzaine d’œuvres plus ou moins traitïstes …
Ce qui me ravissait, c’était d’être compris des autres artiste-peintres réunionnais. J’avais l’impression maintenant de croire à un début de ‘ mouvement pays’. Le premier du genre dans mon île, enfin je pense… J’imagine qu’avec des artistes de différents coins de la Réunion et qui ont des talents qui ne sont plus à démontrer, ce rêve pourra se réaliser ?
Les premières oeuvres des nouveaux adeptes du mouvement pictural traitïste de la Réunion:
Paul Clodel Cochard, le père fondateur du mouvement pictural traitïste, Le Tampon Claude Bègue ^
Saint-Louis: Marius Sinama Saint-Denis : Tristan Hoarau
Coupure du Quotidien du 11-06-1997, page 27, n°6323.
La France découvre le traitïsme
Gallerie Mezz’Art 41, Montluçon
La France découvre le traitïsme 
Expliquez nous tout en détail cette deuxième exposition en France mais pourquoi est la première en solo ?
Le fait d'exposer seul et non avec les autres répond par une invitation de l'Ass. Mezz'Art 41 en janvier 1997.
Le départ vers la métropole tant attendu était enfin arrivé. Le temps pour moi de rassembler tous mes bagages et surtout de ne pas oublier mes tableaux de supports d’allumettes qui ont voyagé avec moi. J’en ai mis qu’une huitaine dans ma valise et j’ai du expédier les autres par colis chez mon oncle, Jean-Pierre Dijoux, à Montluçon. J’avais comme accompagnateur mon cousin Ludo Bègue. Nous avions pris l’avion le samedi 27 décembre 1997. Il me restait donc peu de temps pour préparer l’exposition de la ville de Montluçon. Heureusement que j’avais l’aide de Ludo, car si nous étions toujours en fêtes nous devions préparer cette expo. Je travaillais tous les jours pour pouvoir assembler les cadres de bois peints de couleur dorée que j’avais fabriqués pour cette occasion. Je voulais obtenir une bonne présentation. Ensuite nous devions Ludo et moi déposer les affiches dans la ville de Montluçon et aussi dans les boites aux lettres.
Le samedi 03 janvier 1998, jour de l’exposition. Elle commença très tôt avec les derniers préparatifs pour le vernissage* du soir. Le matin j’accrochais encore mes peintures. Je suis un maniaque des choses bien faites. J’attachais beaucoup d’importance à ce que les objets ont leur place. Si par exemple je ne suis pas satisfait, j’aurai l’impression de ne pas être à la hauteur. Cette après midi j’ai emmené le punch et le reste des boissons, avec moi à la galerie, pour être sûr de ne pas les oublier. De même j’avais trouvé les jus un peu juste, aussi j’en ai racheté d’autres; qui sait s’il aura du monde !!!
*Le mot vernissage signifie ouverture d’une exposition de tableaux et présentation de la nouvelle collection d’un artiste peintre à son public.
A l’origine le mot vernissage remonte au XIXème siècle, les artistes peintres, de l’époque, avant d’exposer leurs œuvres dans un endroit comme une galerie, vernissaient une dernière fois leurs toiles avant le grand Public. Cette tradition permettait de donner de l’éclat maximal avec du vernis sur l’ensemble de leurs tableaux. L’artiste peintre, TURNER, Joseph Mallord William, avait pris l’habitude de terminer ses toiles après les avoir accrochés pour le vernissage.
Tout comme Turner, je pratique cette opération qui me permet de nettoyer et ainsi de photographier en attendant les visiteurs lors d’une exposition…
Bref, revenons à notre vernissage à la galerie Mezz’Art 41 en plein ville de Montluçon à cent mettre de la gare.
Vers les 18 heures arrivaient les premiers invités, Mr le président de l’association «PÔLE ART» avec son épouse. Puis arrivèrent une trentaine de personnes, ce qui me rassurait. Je prenais la parole pour les remercier de leurs présences. De même je fus surpris par la présence d’un journaliste et qui de plus me questionnait, sur mon courant artistique le traitïsme, mais aussi sur les supports d’allumettes. Il me questionna aussi sur l’authenticité de mon nom : Paul Clodel. Suis-je de la famille de l’écrivain Paul Claudel (1868-1955) poète et diplomate français? Je lui ai répondu bien sûr que non. J’aurai préféré être aussi célèbre, mais ce n’est pas le cas. Je lui ai expliqué que Paul Clodel sont mes prénoms et je suis fier de me nommer Cochard. Paul Clodel restera mon nom d’artiste. D’ailleurs en parlant des allumettes, je lui a révélé l’histoire du prénom ‘Clodel’ que ma mère avait lu à ma naissance sur une marque d’allumette…
Demain dans le journal «La MONTAGNE» sortira l’article. La vente de quatre de mes œuvres se confirmait et j’étais très satisfait de cette exposition dans son ensemble. Le lendemain à la première heure j’achetais le journal. Ces articles compléteront les autres articles de la métropole. Je finirai cette exposition en résumant ces articles mots pour mots :
Le journal « La Montagne » du samedi 03 / 01/ 1998, titre :
« Le traitïsme s’expose à Mezz’art.
Après l’impressionnisme et le pointillisme, Paul Clodel invente le traitïsme . Un nouveau style à découvrir à la galerie Mezz’art 41, jusqu’au samedi 17 janvier ».
L’article référence mes origines, le Tampon et la Réunion et l’origine du mot‘ traitïsme ‘. Ce dernier cite le journal, se rapproche du pointillisme de Georges Seurat.
La MONTAGNE : « Le mot traitïsme, tout d’abord est un clin d’œil du jeune peintre à l’art naïf dont il ravit le ï.
C’est l’hommage au pointillisme de Georges Seurat dont s’est inspiré l’artiste, dessinateur publicitaire, de formation mais peintre amateur depuis son adolescence. Le ‘ traitïsme’ est enfin un produit d’une technique particulière que Clodel a mis au point en jouant avec des allumettes. A un tournant de son art, le peintre a, en effet, eu l’idée, « pour donner plus de matière et de mouvement à un trait plat », de décliner à l’huile, ses sujets, des scènes de la vie réunionnaise principalement, sur fond d’allumettes collées sur des plaques de contre plaqué. On parle d’indolente douceur, d’un mouvement oblique qui revient à l’infini en imprimant une matière chaude et lumineuse aux êtres et aux choses immortalisées ». On parle de même de la géométrisation des formes et de la composition des toiles. Pour en finir sur mes prénoms (Paul Clodel) qui n’ont pas de familiarité à l’écrivain, mais plutôt la découverte par ma mère de Clodel sur une boite d’allumettes le jour de ma naissance le vingt avril 1967. Clodel, est le nom d’un fabriquant d’allumettes de l’époque.
En attendant que l’exposition se terminait, mon oncle Jean-Pierre et moi, nous nous rendions à Vichy. Je trouvais alors une galerie d’expos pour les mois de mai et de juin 1998. Cet endroit situé à l’avenue Aristide Briand était donc la Galerie d’Orient. Le 22 janvier je quittais la métropole, je gardais donc d’excellents souvenirs de ce voyage. Mon oncle devait s’occuper de déposer et ramener les toiles à Vichy.
J’avais exposé ailleurs que dans mon île natale. Pourtant je me sentais plus Réunionnais en France qu’ici. Lors de ce voyage en métropole je me suis fait la réflexion suivante les artistes n’ont pas leur place dans l’Art à la Réunion, ou du moins leur notoriété ne sera reconnu qu’après leur mort. Nous sommes mieux reconnus en France, ou en Europe qu’ici. La Réunion est jeune et peut-être novice dans ce domaine artistique. Les réunionnais sont sensibles tout de même aux belles choses; sans pour cela avoir le désir de s’en procurer. L’artiste créole le ressent, mais doit continuer sa recherche sur l’Art. Il nous faut des années, voir même un siècle pour qu’un d’entre nous remplacera un « Antoine Louis Roussin ou un maître »…
Pour ma part je m’étais promis de retourner un jour en France. Certes, j’avais de l’ambition mais encore fallait-il avoir les moyens de les réaliser ? Combien me coûterait un tel voyage? Qui pourrait si ce n’était mes propres économies d’ouvrier d’entretien et d’accueil ?
Ces questions me hantaient souvent. Je sais qu’exposer ailleurs qu’ici est du domaine de l’impossible. Il me restait qu’une exposition à faire à Vichy, prévu en mai et juin de cette année 1998. Mon oncle Jean-Pierre, à qui j’ai confié vingt deux tableaux, m’a confirmé par téléphone, que l’expo avait bien lieu. Il restait à savoir si les habitués de la Galerie d’Orient, qui viennent pour des tapis, trouveront bon compte à se procurer une toile «traitïste». Il est vrai que la vente m’intéressait moins que les articles de journaux, et notamment celui que je n’ai pas pu avoir de la « Montagne » qui était paru un dimanche et que ni mon oncle Jean-Pierre, ni les propriétaires de la boutique n’avaient pu garder : les articles sur le traitïsme.
Vers la fin juin la galerie m’apprenait qu’elle avait vendu un seul tableau et m’expédia le chèque par la poste. Mon oncle s’occupa du retour chez lui à Montluçon et ce fut pour moi la fin de mes expositions sur la métropole du moins pour cette année 1998.
Article du journal "La Montagne"
Articles de divers journaux de Montluçon
Articles de divers journaux de Montluçon
4ème Phase de création
Qu'est-ce le traitïsme-cubique-sensoriel ?
J’avais enfin pu me défaire de ce fameux support traitilliste, à savoir les allumettes. Ces derniers me prenaient trop de temps à la réalisation et diminuaient ma progression artistique. Désormais je suis revenu à la toile traditionnelle de lin enduite et je rajoutais une surcouche de peintures à l’huile. Cette dernière ne peut ressembler aux «couches d'Impressionnisme » ces empattements si combien nécessaires, par sa rapidité et sa variété, remplaceront mes bûchettes de pin qui seront utilisées plus tard, pour utilisées par la suite,d’autres recherches artistiques…
Ils pourraient par exemple être employés pour «l’abs-traitïsme». Je préférais utiliser les toiles de lin traditionnels en travaillant beaucoup plus sa matière. Dans le «traitïsme-cubique-sensoriel », dernière phase en cour sur mes recherches artistiques (ma vie ressemble à un laboratoire de forme), j’ai du étudier pour sa réalisation, les techniques et styles employés par les maîtres de la peinture suivants : Georges Seurat (1859-1891), Paul Cézanne, Pablo Picasso et Georges de La Tour (sur Wikimedia). Pour commencer je découvre chez Seurat son fameuxdivisionnisme qui m’impressionnait au point de l’utiliser. Je me laissais emporter par son enseignement de décomposer la couleur. Si le point de Seurat m’inspira le trait, ses décompositions m’inspirèrent la géométrisation des formes. Mais cela ne me suffisait pas, car de tempérament plutôt curieux pour l’Art en général, j’étudiais tout les travaux de Paul Cézanne *. J’avais appris de lui beaucoup de chose comme sa méthode de composition par exemple. Il se révélait que cette découverte artistique, en appliquant cette méthode représentait un but d’Art moderne. Dans La Montagne Sainte-Victoire vue de Bellevue (Metropolitan Museum), un tableau du maître on pouvait constater la présence de lignes de décompositions. Pablo Picasso voyait en Paul Cézanne un conseiller ayant une composition qui se rapproche des formes cubiques. De même, Picasso en fait son style et donnera lecubisme. Il s’inspirait de la composition de Cézanne, pour accentuer les lignes invisibles d’une œuvre. Il était bien dommage que les artistes modernes ne se consacrent pas plus à la recherche artistique des maîtres d’hier. Je pense qu’en les étudiant de plus prés, nous apprenons beaucoup plus. Ces maîtres picturaux nous ont laissé de véritables études, qui pourront pour l’avenir être indispensables à nos besoins. Quant à moi, j’ai pu tirer la leçon d’un mariage de genres, avec le « traitïsme – cubique - sensoriel ». Il ne suffit pas seulement d’inventer des mots pour faire vivre cetraitïsme et encore moins, faut-il qu’il soit reconnu comme une technique picturale et non un style de peinture ? La technique permet d’approfondir la recherche artistique et le style à la tendance d’approfondir l’artiste (le style de l’artiste).
Ce qui importait pour le moment c’était l’utilisation de la composition de Seurat et la matière de Cézanne. Il fallait conserver les empilements des petits carrés qui formaient la division du format. Pour moi le format d’un tableau avait sa conséquence artistique. De ce fait, je décidais que le sujet de la toile ne devait pas être simplement un extrait d’une scène que le peintre réalisait sans mettre une barrière à son œuvre.
*Paul Cézanne style moderne et technique était avant-gardiste et donc mal compris depuis de nombreuses années. Même ces amis, artistes révolutionnaires de son époque, les impressionnistes, étaient dédaigneux de style progressif de Cézanne et de sa méthode. Après la première exposition impressionniste, Il n’était pas compris des spectateurs et se vu rejeté par ses travaux scientifique sur sa peinture. Sa composition est controversée selon l’époque. Cézanne travaillait avec des couches épaisses de peinture. Bien qu'il ait été étroitement avec l’impressionniste Camille Pissarro (1830–1903), ce dernier, est influencé par sa technique. Hormis qu’il utilise des scènes en plein air dans sa peinture Cézanne n'était pas un impressionniste. Il était un artiste très moderne qui ne rentre pas dans une catégorie quelconque de style de peinture. Sa théorie picturale a été un précurseur pour les mouvements : fauvisme et lecubisme. Maintenant Cézanne par ses idées modernes de l’art devient pour le traitïsme l’icône incontournable.
Dans l’art naïf, le peintre décidait de façon libre de disposer sur le support sans le souci de composition dans sa peinture.
Je partageais cet avis avant l’étude des grands maîtres tel que : George Seurat, Paul Cézanne et Pablo Picasso. Je me laissais convaincre à l’idée qu’une toile ayant à sa base une «bonne composition» est une toile dont l’œuvre est riche et elle est intéressante pour l’Art.
Je considérais le format d’un tableau vierge, avec sa belle surface toute blanche. En mathématique, ce dernier pouvait se symboliser en un rectangle (selon le format classique, sinon à un carré, losange ou triangle si les formats sont fantaisistes). Cette figure rectangulaire, composée de quatre angles droits dont les côtés sont égaux, je nommes des points : A,B,C,D. Ces derniers constituent le format de la toile (4 F, 4 P ou 4 M par exemple), l’espace est vide et pour le remplir il suffit de placer d’autres points au centre des pointsA et B, A et C, B et D et C et D. Ayant les points du milieu (E, F,G,H) il faut tracer des lignes en longueur et en hauteur. En divisant par deux l’horizontal et la verticale on obtenait plusieurs petits rectangles. On pouvait de même continuer à tracer les milieux de ses points ‘E, F, G, H’(voir traitïsme schéma l'hommage à SEURAT de Paul Clodel ) et ainsi parler de mode de division à l’intérieur d’une figure. Le dessin était tracé sur les lignes de compositions tout en respectant le format de la toile. Je devenais donc dépendant du format à tel point que le dessin épousait les formes qui se rapprochent de Pablo Picasso, c’est à dire, le cubisme. Mais dans le « traitïsme - cubique - sensoriel » il y avait la notion de la sensation que seul le jeu d’ombre et de lumière chère à De La Tour peut me procurer. Je notais donc que ma peinture était l’union de styles très différents, et qui prend vie grâce aux traits ; de ce mariage sont nés les œuvres suivantes : « Croque ma pomme, la liseuse de Clodel*, le portrait de Cézanne*, le portrait de Picasso*, les joueurs de cartes* et les demoiselles de la Réunion* ».
« Dans le traitïsme-cubique- sensoriel on peut retrouver trois éléments : le trait, le cubisme et la sensation. Ces derniers, constituaient une réunion de genres différents sur une même toile afin de créer un style de peinture. Si le trait reste la clé du mouvement, elle détermine alors la force de l’union des divers styles employés jusqu’ici pour créer cette nouvelle phase artistique. Je continue par peindre la toile normalement puis je pose les traits à l’aide d’un petit pinceau de façon obliques tout en gardant le même sens. A la différence du cubisme dans ma nouvelle phase c’est la suppression des contours des personnages par des traits entrecroisés ou hachurés. J’obtiens là un résultat qui se rapproche du traitïsme et reste tout de même impressionniste. Ce qui caractérise « le traitïsme - cubique - sensoriel » c’est aussi ce jeu d’ombre et de lumière. Ces effets de luminosités apportent la sensation de douceur et immergent mes personnages de lumière. Si j’opte pour leclair-obscur c’est qu’avec l’étude faite du travail de Georges de La Tour Saint Joseph charpentier, 1643, musée du Louvre, Paris, je peux réunir plus de cinq cents ans d’histoires picturales en utilisant ma façon de peindre aux traits »…
Mais ce n’était pas là l’unique raison de mes recherches. Ce qui m’avait poussé à employer le contraste d’ombres et de lumière, c’est ce côté ténébreux qui enferme un corps ou un sujet dans une pièce totalement obscure. Ce qui d’ailleurs le met en valeur par l’éclairage d’objets lumineux comme exemple je cite une bougie, un chandelier, ou un simple feu. Ces effets donnent à mes toiles une plus grande sensation. C’est pour cela que j’ai employé le mot sensoriel.
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Nature morte et portraits, toiles traitïstes Cubique Sensoriel de Paul Clodel Cochard,
Le premier salon* du traitïsme
Qu’est-ce qu’un salon en peinture et l’origine du mot ? :
« La manifestation, orthographiée initialement « Sallon », fut le nom de l'exposition annuelle organisée par l'Académie à partir de 1737, puisqu'elle eut lieu au « sallon carré du Louvre ; auparavant, cette manifestation s'appelait « l'exposition » et se tenait depuis 1673 » ou tout simplement un lieu d’exposition d’œuvres d’arts...
Le Premier Salon des traitïstes:
Une centaine de toiles sur les cimaises de la salle "Charles Beaudemoulin" de la ville du Tampon, cinq artistes de la Réunion illustraient bien l’ouverture de mon mouvement le traitïsme. Si pour moi jusqu’ici le traitïsme était l’inspiration de Georges Seurat pour d’autres artistes c’était en phase de devenir un courant artistique et qui de plus prenait sa source à la Réunion. Les jeunes peintres qui exposaient du 18 au 26 juillet 1998 étaient : « Marius Sinama, Claude Bègue, Jimmy Montpré, Tristan Hoarau et Paul Clodel Cochard. J'étais le principal organisateur de ce salon.»
Jimmy Montpré est un jeune Tamponnais diplômé en arts plastiques. Pour sa première exposition, il c’était laissé séduire par le mouvement traitïsme. Il réalisait alors une huitaine de tableaux aux traits d’un genre très particulier. Montpré avait la particularité de peindre sur des planches de contre-plaqué en dessinant ses sujets pleins de références à l’Egypte et à la Chine. Il découpe ensuite les fibres du bois avec une lame de cutter en laissant son œuvre en creux. Ce procédé fut jadis employé pour la technique de gravure sur bois; où les traits étaient disposés de manière libre sur toute la surface de la toile. A la différence du traitïsme c’était qu’il n’y avait pas de petits traits de couleurs posés sur son tableau. Les siens étaient en profondeurs et plus larges. Jimmy Montpré apportait sa propre vision artistique, sur une problématique que fût le trait. Il utilisait des grands formats carrés et rectangulaire. Jimmy Montpré se veut être un artiste avec plein de ressources personnelles et beaucoup d’apports modernes dans sa vision picturale.
Autre artiste que je qualifierai de traitïste, par le geste et par le style (bien sûr je veux dire la technique) c’est bien Claude Bègue. Ce dernier reste fidèle au traitïsme et se fait le défenseur de ses idées. Les Réunionnais et les Français, n’ont jamais voulus jusqu’ici exploiter cette nouvelle technique de peinture qu’est le traitïsme ou letraitillisme. Bègue restait fidèle à son style de peinture réalisme mais cependant respectait les lois communes du mouvement traitïste : Il employait ma technique de traits en oblique sur la droite, allant dans le même sens, afin de respecter l’unité de la toile. J’avais constaté le rendu des toiles de Tristan Hoarau, qui utilisait le tranchant de son couteau pour en faire des traits. Ces derniers strient la peinture fraîche. Les toiles de Tristan se rapprochent de la phase dite traitilliste, qui était plus proche des impressionnismes. Marius Sinama présentait ses dessins en noir et blanc et à l’encre de Chine. Quant à moi, je présentais au public tamponnais mon triptyque d'un mètre sur deux mètre cinquante et le tout peint sur des allumettes. Le reste des mes tableaux traduisait la volonté d’être le père de ce bébé qu’est le traitïsme, (et si bien sur), si on compare le nombre d’œuvres que j’ai exposés dans cette salle. C’était ma deuxième exposition que je faisais dans ce lieu consacré aux expositions et qui pour nous était devenu la plus belle salle de l’île de la Réunion. Cette dernière ce trouvait à quelques kilomètres de l’atelier. De même, J’avais prie sur moi de mettre des panneaux publicitaire dans toute la ville du Tampon. Ce qui avait un impact direct avec le public. Nous avions comptabilisés plus de cinq cent visiteurs en une semaine d’expo. Aussi les médias nous avaient bien aidés. Tout se déroulait comme j’avais prévu et pourtant j’étais déçu pour la première exposition traitïste.
Le "Quotidien" de la Réunion du 18/07/1998 page 8
Avez-vous trouver du Clodel chez ces artistes ? (A.P.C.)
Certes, je ne m’attendais pas à trouver des copies exactes de mon travail. Mais, à part un ou deux qui avaient bien compris le sens du mouvement, je voulais parler de Claude et de Tristan (ce dernier dans sa technique au couteau) les autres se cherchaient encore.
De plus j’étais épuisé par la préparation de cette exposition et par un surcroît de boulot. Mon ex-femme et moi, nous avions divorcé. De toute façon je m’attendais un jour ou l’autre à cela. Quand on se sacrifie quotidiennement à sa passion, la vie de famille prend le large. La peinture est devenue au seuil des années ma seule et unique maîtresse.
"Pour peindre l'artiste a besoin d'un équilibre moral. Parfois et dans le contraire la peinture faite dans un contexte de déséquilibrer est techniquement parlant et intéressant. Vivre avec un artiste n’est pas chose fortuite il délaisse la vie conjugale à celui d’aimer sa muse, ici la peinture". (Paul Clodel)
Comment considérez-vous votre ex-femme, et était-elle une femme d'artiste ?
Mon ex-femme n’était pas assez mûre pour comprendre qu’un artiste est différent des autres hommes. Je voulais tant réussir et j’ai payé par cette séparation. Le moment le plus dure pour un père de famille c’était de s’éloigner de sa fille Cécile. Nous étions tous les deux si proche et la pensée de la voire moins souvent me hantait. Aussi j’avais peins une série de portraits sur ma fille comme: "Le portrait de Cécile, Cécile et les chats, le portrait de Cécile en robe noir et Cécile ma fleur des îles" ou encore toile ci-jointe "Cécile dans les cubes". Pendant le divorce je me suis retiré quelques mois du monde de la peinture pour réapparaître en mars 1999. Je m’étais dit qu’il fallait reprendre le chemin des expositions. C’était à Saint-Benoît que j’éveillais à nouveau la voie de ma passion pour l’Art…
Comment à travers la presse ces traitïstes (du mouvement Réunion) étaient vus ?
Avec ces artistes amateurs ou non du trait, la presse locale fit de nous des émules à la Réunion. Nous exposions par la suite à l’O.C.B (Office Culturel Bénédictine) du 07 au 29 mai 1999. Tous avaient une attirance pour la reproduction de scènes de la vie réunionnaise, très typiques d’ailleurs comme « le coupeur de canne », « la basse-cour du vieux Paul » avec des poulaillers comme on en trouvait encore vu dans les hauts de l’île. C’était une façon originale de participer à l’entretien de notre patrimoine des gens modestes, à l’heure où le monde moderne avait la tendance de les faire disparaître à la Réunion. L’exposition regroupa les mêmes artistes à l’exception de Jimmy Montpré qui était parti en métropole et le premier à quitter le mouvement pays.
Le 2ème salon du traitïsme de Paul Clodel : Votre explication :
Du 03 au 11 juillet 1999, à la salle Charles Beaudemoulin au Tampon. Nous croyions donc à notre mouvement, et je proposais même d’ouvrir les portes à d’autres artistes. J’essayais en vain de garder le point commun continu de ce trait, en fédérant un artiste tel que Maillot. Il était choisi par M. Sinama et n’avait pas les compétences nécessaires pour être un traitïste. Le traitïsme est une technique de traits de couleurs, en obliques ou dans tous les sens, posés les uns contre les autres et en parallèles. Le traitïsme est une façon différente de représenté les images, avec finesse, originalité, tous en jouant sur les formes. Les peintres qui était présents à ce salon, avait ce trait commun, gardant leur style bien sur mais aussi leur mode de support : la toile de lin, support traitïste, et le papier. Claude Bègue peint en traits de couleurs à l’huile sur des toiles, des scènes de la vie locale. Tristan Hoarau utilise toujours son tranchant du couteau pour représenter des traits des paysages de la Réunion.MariusSinama utilise l’encre de Chine pour s’exprimer sur la feuille de papier mais ne respectais déjà plus letraitïsme dans une large partie de son travail. Traits de couleurs ou en noir et blanc certes, mais Elie Maillotquant à lui, nous montrait ces tableaux d’un genre de peinture naïve et n’ayant été peinte aux traits. Le pire c’était que je n’avais pas vu ces toiles avant l’exposition. La raison elle est bien simple, c’était qu’il était de la Possession et j’avais la confiance de Marius. Nous avions par un commun accord acceptés son travail en le plaçant sur un mur avec les œuvres dîtes « collectionneurs ». C’était le dernier courant artistique réunionnais de cette fin de siècle et de millénaire. Nous allions rentrer dans l’année 2000 avec l’idée d’être toujours un mouvement traitïsme…
En l’an 2000, j’organisais le 3ème salon du traitïsme au mois de juillet avec une déception dans ce salon. Un des membres ne respectait pas tout à fait notre vision du mouvement: il était vrai que je n’avais pas imposé cette technique aux artistes, les membres qui composaient ce mouvement restaient tout à fait libres d’y adhérer ou bien d’exposer seul. Néanmoins ce manque d’implication entraîna de lourdes conséquences pour le mouvement plus tard. Je mesurais alors l’importance de faire un manifeste sur ma technique picturale dans les années à venir. Au moment où il me semblerait le plus important de l’histoire du traitïsme.
L’année 2001 commençait très bien pour moi avec le déplacement du Président de la République, Jacques Chirac, dans nôtre île, et à la suite d’un don personnel d’une de mes œuvres intitulée : « Un cœur pour la France, J. Chirac*». Ce n’était pas là un geste politique mais un pari fait par un ami, Jacques Bougault, ce dernier, me disait d'avoir l’occasion, de discuter avec le Président lors de son séjour à la Réunion, et qu’il cherchait quelque chose d’original, autres que ceux qu’on lui offrait les précédentes fois. En l’entendant je n’y croyais pas ou du moins je restais très étonné et comme il cherchait un cadeau original à offrir au Président Chirac, je lui proposais cette toile: "Un coeur pour la France".
En autre, je pensais avoir l’honneur de recevoir dans nôtre livre d’or un écrit du grand homme sur le traitïsme, aussi ma déception fut énorme quant il n’en fut rien : en effet Jacques Chirac étant sous les contrôle de ses officiels et ces derniers assurant sa protection ne voulaient pas qu’il écrive sans avoir lu tout le contenu de notrelivre d'or. Le tableau offert à Jacques Chirac représente ce dernier tenant dans sa main gauche une pomme rouge. Je me suis souvenu de sa campagne présidentielle en mai 1995 où la pomme était son emblème fétiche. Elle est peinte sur « un support traitilliste» et dans une phase de recherche qu’est le traitïsme-cubique-sensoriel. A l’arrière du portrait du président, j’ai peins sur un livre l’emblème de la croix de Loraine.
J’avais quand même l’impression d’avoir gagné ce pari car le président garda le tableau. Quelques temps plus tard, il m’envoya une lettre de remerciement pour le portrait que je l’avais offert. Il me semble qu’il ait apprécié ce geste puisqu’il m’écrivait les mots comme : «cher, bien cordialement » et me fait don de sa signature pour couronner le tout. J’avoue n’avoir aucune opinion politique et cela ne viendra influencer la suite de ma carrière, mais cependant j’apprécie la sensibilité d’un homme de pouvoir qu’est le chef de l’Etat. D’ailleurs je me classe dans « le parti de ceux qui défendront à sa juste valeur le droit à la culture, la liberté de penser des peintres et pour tous ceux qui sont contre ‘‘la discrimination’’.
Mon véritable parti, c’est l’art de créer et de pouvoir vivre de sa passion librement jusqu’au bout de son rêve. L’artiste a toujours fait rêver les hommes, du plus riches au plus pauvres…
Office du Tourisme de Saint-Leu
L'aventure continue pour faire connaître et apprécier au plus large public le traitïsme : Claude Bègue, Tristan Hoarau, Marius Sinama et moi, du 02 au 30 juin 2001 nous avions exposés de nouveau ensemble à l’Office du Tourisme de Saint-Leu.
C'était la première fois que j’exposais dans l’Ouest de l’île, et j’étais très déçu du résultat. Pourtant ce n’était pas sans faire de la publicité dans toutes les jolies et grandes maisons bourgeoises de Saint-Gilles et de Saint-Leu. Qui plus est le faire tout seul et avec les difficultés qui m' encombraient. J’étais l’organisateur de cette expo et je devais tout assurer. Certes j’admets le fait d’avoir eu un reportage sur R.F.O (Réunion 1ère), et qui de plus était remarquable par la qualité de l’image et des bons commentaires de Rocaya (journaliste et reporter). Mais cela n’avait pas suffis, hélas, pour poussé les gens à venir, en masse, nous voir à l’Office du tourisme de Saint-Leu. Nous exposions à vrai dire nos même tableaux que le 3ème Salon, à mon exception car compte tenu que j’avais plus d’une centaine d’œuvres traitïstes à mon atelier, je pouvais en exposer des nouveaux. En ce qui me concerne, c’était un véritable défi d’exposé en groupe et qui de plus défendait une cause, le traitïsme. Nous voulions prouver à la Réunion que nous pouvions tenter une expérience comme celle-ci, c’est à dire, unmouvement réunionnais (le premier du genre). Loin de penser que le traitïsme limiterait le champ d’action des artistes mais au contraire chacun apportait sa touche personnelle. En réalité chaque artiste gardait sa propre personnalité qu’il avait avant son entrée dans ce mouvement. (J’allais, par la suite, découvrir des surprises que je me doutais déjà !)
Autres expositions !
Du 29 juin au 12 juillet 2001, j’exposais pour la dernière fois en solitaire, puisque nous avions l’intention de monter en 2002, une association de loi 1901. L’idée m’était venue parce que je ne voulais plus être le seul à tout organiser. Mais aussi une association nous permettait d’avoir un statut. De même par la suite de demander des subventions, tant mériter. Je finançais jusqu'à présent, la plus grande partie des expositions et des vernissages.
Je venais, tout juste, faire la connaissance d’une jeune artiste au nom de Nathalie Grondin. Cette dernière était la seule à prendre part de mes préparatifs des prochaines expos. Nous travaillons la plus part du temps jusqu’à minuit et parfois plus, pour se réveiller à 4h 30 du matin. Je rentrais au lycée du Tampon, où je travaillais à 5h 30. Souvent je me posais la question suivante: N’étais-ce pas là, une vie de dingue ? Il fallait bien souvent jongler entre concevoir les expositions et le travail d’O.E.A. Je fus nommé ouvrier d’entretien et d’accueil (O.E.A), sur concours, dans en 1991. C'est un métier qui consiste à mettre de l’ordre dans les classes ou à servir les repas de midi aux élèves. Quoi de plus agréable de travailler auprès d’eux et de jouer son rôle d’éducateur. D’ailleurs, je n’étais pas seulement éducateur de la propreté, puisque j’avais monté un projet dit «d’action éducative au collège l'Oasis au Port en 1994»: j’enseignais l’art mural aux collégiens.
J'avais un emploie du temps bien charger après plus de soixante heures de travail chaque semaine, je trouvais du temps le dimanche pour peindre. Mais, si je voulais me faire connaître absolument, je n’avais pas d'autres choix de travailler en plus. Ce mode de vie (liant travail et passion) est très dur à vivre, et elle datait depuis une décennie.
Nous vivions à la Réunion, comme des précurseurs de l’Art enfin nous le pensions ? Nous vivions aussi tous les grandes difficultés que pouvaient avoir un artiste inconnu. Pouvions-nous vivre uniquement de peinture sans avoir un emploi stable à coté ? La réponse est non, c’est vrai qu’au jour d’aujourd’hui, l’île de la Réunion, connaît une véritable ascension dans la connaissance de l’Art et cela grâce aux nombreuses revues ou livres sur la peinture et sur l'internet. On n’y trouvait aussi une montée des artiste-peintres, certains pouvaient vivre aisément de leurs arts parce qu’ils étaient connus internationalement. Ils profitaient d’un séjour sur l’île pour pouvoir exposés et puis ils allaient cherchés ailleurs en Europe l’argent nécessaire à leur besoin quotidien (subvention d’état ou bourse d’étude…).
A la Réunion les artistes qui vivent de leur peinture sont souvent aidés par des organismes artistiques. Parfois aussi leur soutient financier parvenaient du revenue minimum d’insertion RMI (RSA), et à coté, ils arrivaient tout de même à créer une peinture commerciale. On dit d’eux qu’ils sont des peintres professionnels. D’autres part, ils n’inventaient aucun style de peinture, ni technique, ils se contentaient de reprendre les genres classiques comme : Art Naïf , le Réalisme, le Surréalisme, l’Impressionnisme, l’Expressionnisme, le cubisme (source Wikipédia) et d'autres styles répertoriés. Ces artiste-peintres qui continuaient l’œuvre d’un maître, devenaient à leur tour un adepte d’un Mouvement artistique. Si l'artiste ne se prononce pas pour un courant artistique, son style de peinture est inclassable. Certains allaient faire de l’abstraction (Art abstrait) une "distraction de colorie" et se disaient d’être un grand génie pendant une expo de Chevalet 1993, Avirons. Par la suite ils se heurtaient au vrai problème de la peinture et sa composition, ils décidaient alors de fuir la technique ou le style pour revenir à la figuration (Art figuratif).
O n disait souvent que tous les techniques de peinture étaient déjà crées, j’ajoutais pour ma part d’avoir de la chance d’en trouver une technique comme le traitïsme qui me laissera le temps pour développer l’Art Réunionnais…
2- L'histoire du traitïsme: L'A.P.C. Association Paul Clodel (Seconde partie)
La création de l'association allait, par la suite, modifier le mouvement traitïsme !
6ème Salon du traitïsme :
Du 24 octobre au 02 novembre 2003, nous avions célébré notre 6ème édition du salon des traitïstes, au Tampon. Je reconnais que cette édition, était d’un genre spécial. Tout d’abord elle ne respectait plus la valeur du traitïsme par des éléments qui auraient détournés son thème. Les artistes s’étaient un peu écartés du mouvement et cela devenait même et je ne cache pas les mots une expo artisanale. Aussi lors de ma réélection le09 août 2003, comme Président de l'Ass.Paul Clodel, j’avais décidé de modifier le but de nos statuts et aussi sa durée, en deux ans, puisque je n’avais plus le temps de peindre. Je sacrifiais mon temps mais aussi mon argent pour financer les expos. Etant donné que nous n' avions aucunes subventions, les cours de dessins du samedi au collège étaient pour les expositions des membres. Nous n' avions que le budget des cours de dessins et peintures des samedis au collège, que j’effectuais et que je remettais la totalité à l’A.P.C. N’étant qu’une jeune association, nous n’avions pas encore droit aux aides ou aux subventions d’Etats. Le plus éprouvant dans cette vie associativec’est que, celui qui travaille le plus mérite moins. Je tenais pour cela remercier Nathalie Grondin (artiste et membre du bureau) qui à cette époque m’avait beaucoup soutenue dans mes taches associatives. J’avoue que sans son aide, j’aurai démissionné du poste de Président (bien que ce poste me tienne à cœur et à raison) d’ailleurs l’idée de quitter le domaine de L’Art m’avait bien effleuré l’esprit…
Voir ci-joint le lien : http://asspaulclodel.canalblog.com/archives/2013/06/12/27387626.html
Vers la création du Néo-Traitïsme
8ème phase de création - le Néo-traitïsme :
L’accent était mis dans cette exposition sur le « néo-traitïsme ». Ce dernier se définie par des traits de couleurs, mais, au lieu d’avoir des hachures qui sont réalisées à main levée, il y a plutôt l'apport des bandes de couleurs, à la fois longues et plates, qui forment des traits. De même la composition reste divisionniste et s’approprie d’une composition que j’invente et que je baptise : « le Concavisme* ». (Voir schéma)
Le traitïsme ne peut pas s’arrêter en bout de course, je déduis tant que les artistes seront toujours vivant le mouvement continuera. Je prends l'engagement formel qu'il sera un jour reconnu mais, cela ne dépend guerre de moi ! (Il y a vous public pour en juger et en faire partager ou bien d'en critiquer...).
Avant d’exposer à Montluçon en début 2009, nous décidions, du 12 au 20 juillet 2008 à la salle Rita et Charles Beaudemoulin, au TAMPON, de faire une exposition évènementielle. Cette dernière avait pour intérêt, d’avertir le public de l’expo Française et de pouvoir collecter sur des ventes d’œuvres des fonds qui nous servirons aux frais du voyage. D’autant plus, que cette année, l’Association Paul Clodel avait reçu des subventions de la Région Réunion et du Département. Aussi, nous avions préparé cette expo intitulée pour la circonstance:« Montluçon'Art » dans de bonnes conditions et notamment sur le point de la communication. Nous avions publié de la publicité, dans deux journaux majeurs de l’île de la Réunion, dans un but de faire connaître l’existence de cet évènement culturel. Il nous a fallu d'une semaine pour convaincre notre public sudiste de nous aider financièrement pour que ce projet métropolitain puisse se réaliser. Le traitïsme était redevenu la star attendu des nouveaux amateurs et qui après, un excellant reportage sur RFO (Réunion 1ère), sont venus très nombreux nous rendre visite. On apprenait par la suite que ce reportage avait été diffusé sur TF1, puis Antenne Réunion. Pour nous, cette exposition était une grande réussite. Les artistes qui exposaient, sont restés les mêmes, c'est-à-dire : Nathalie Grondin (Cochard), Claude Bègue, Alphonse Nativel et Paul Clodel Cochard. Chacun peignant à sa manière, illustre l’évolution du mouvement artistique réunionnais et qui s’aventure sur des voies différentes. Claude revient peu à peu vers le surréalisme. Nathalie s’engage de plus en plus vers l’impressionnisme. Alphonse garde ses mêmes tableaux, sans n’avoir apporté aucune nouveauté. J’avais exposé une pléiade de peintures dans des styles différents comme: le traitïsme, le néo-traitïsme et le l’abs-traitïsme.
9 ème phase de création - L’abs-traitïsme.
Ce dernier est une phase picturale que j’avais laissée pour mes vieux jours mais j'avais commencé, lors d'une expo en 1992 de le faire connaître. Elle consiste à peindre avec uniquement des formes géométriques abstraites et qui se structurent sur une composition divisionniste.
Nathalie était celle qui avait plus vendu ses toiles et avait apporté aux regards de son public un certain charme qui parle de leur vécu. S’il fallait apporter son financement serai été dans une peinture dite « commerciale ». J’ai toujours défendu la peinture « alimentaire » car elle permet de faire vivre le peintre. Pour vivre de son art il faut être riche ou bien d’avoir un métier et du temps libre.
Le trois octobre 2008, Nathalie devenait madame Cochard. Elle nous avait aidés par la vente de ses toiles à exposer en janvier 2009, à Montluçon. Bien entendu la subvention de la Région nous avait permis Claude et moi de prendre l’avion. L’exposition et le séjour étaient à la charge de l’association. Nous avions réalisés un vieux rêve, celui d’exposer en métropole et qui plus est à la galerie Mezz’Art 41.
Voir ci-joint le lien : http://asspaulclodel.canalblog.com/archives/2013/06/15/27436562.html
Exposition en métropole: Montluçon
Expo à la "Galerie Mezz'Art 41" à Montluçon avec Claude Bègue, en 2009.
Il faut se dire que les choses ne se sont pas réalisées comme dans mes songes. La galerie Mezz'Art 41 deMontluçon qui est devenue, maintenant, une grande librairie était en plein chantier. Pour le propriétaire les travaux commenceront à la fin de l’expo. En réalité une semaine après le vernissage, la librairie était en chantier. Il y avait une poussière qui montait à la mezzanine, et par la suite, j’avais pris la décision personnelle de tout décrocher et cela, une semaine avant la fin de l'exposition. De bons articles, parlant de nous, parurent dans les journaux. A savoir que: « La Montagne » nous avait propulsé à la deuxième page et à la rubrique « l’image du jour » du samedi 3 janvier 2009. Ce même journal revient par un article alléchant et qui demande d’être décortiquer :
« PEINTURE- Quatre Réunionnais à la librairie des écoles
« Le traitïsme notre passeport »
Quatre artistes réunionnais exposent à la librairie des écoles. Le trait est leur marque de fabrique.
Par Fabrice Redon du journal la Montagne.
"On connaissait le cubisme, cher à Picasso, le fauvisme de Matisse ou le surréalisme de Chagall. Mais qui a déjà entendu parler du traitïsme ? Ce mouvement artistique est né en 1994 sur l’île de la Réunion des mains de d’un artiste local appelé Paul Clodel.
Lui et trois autres de ses collègues, Claude Bègue, Alphonse Nativel et Nathalie Grondin, exposent leurs œuvres en ce moment à la galerie Mezz’Art de la librairie des écoles. Un long périple de 13.000 km, trente-et-un tableaux à l’affiche. Tous de petit format. «Dans les bagages, on n’avait pas trop de la place», s’amuse Paul Clodel.
Ducs de Bourbon
Claude Bègue exécute quelques nus, Alphonse Nativel présente un voilier sur la mer, Nathalie Grondin une cabane de pêcheur et un alambic de paille. Paul Clodel, lui, se joue de quelques scènes de la vie quotidienne réunionnaise tout en croquant goulûment l’église de Vichy ou le château des Ducs de Bourbons.
Comment devient-on traitïste? Tout simplement, en réalisant ses premières toiles sur des supports rassemblant des milliers d’allumettes collées les unes aux autres. «L’allumette est un trait» résume Paul Clodel qui compte les adeptes de sa technique sur les doigts d’une seule main. « C’est vrai qu’on n’est pas très nombreux. Après, je vois régulièrement des artistes qui font du trait sans faire référence au traitïsme». Claude Bègue, lui, ne se cache pas.
Il avoue sa fascination pour ce «style nouveau». «C’est un mouvement qui part de chez nous, il faut donc le défendre. Faire un trait sans casser l’image, c’est ma philosophie».
Paul Clodel, qui fait souvent référence au pointillisme de Georges Seurat, est déjà content d’une chose. «J’ai crée un mouvement de mon vivant. D’autres n’ont pas eu cette chances ».
Par Fabrice Redon.
Voir ci-joint le lien : http://asspaulclodel.canalblog.com/archives/2013/06/18/27455314.html
France-Réunion, à la galerie Mezz'Art 41(2009) - le traitïsme"Le vieux château, Montluçon", toile impressionisme de Paul Clodel, 06 P, 2008. Vue sur le Cher (Montluçon), toile impressionisme de Paul Clodel, 06 P, 2008. Claude Bègue devant la Librairie des Ecoles à l'intérieur la "Galerie Mezz'Art 41", en janvier 2009 Expo à la "Galerie Mezz'Art 41" à Montluçon avec Claude Bègue, en 2009.
http://asspaulclodel.canalblog.com
En bref dans Montluçon et son agglo, le journal «La semaine de l’Allier» titre:
«MONTLUCON
Le traitïsme s’expose
"Rencontre avec deux peintres réunionnais. Paul Clodel et Claude Bègue, tout deux d’origine réunionnaise, exposent leurs toiles pour quinze jours. C’est l’occasion pour le public de renouer avec des techniques peu vues ces dernières années. Comme dans le pointillisme de Georges Seurat, Paul Clodel compose sa peinture par des petits traits juxtaposés avec les couleurs pures de son île natale. « C’est la naissance d’un mouvement réunionnais qui aura une grande importance pour l’art local», explique le peintre, « c’est le traitïsme». L’une des originalités réside dans l’usage d’un nouveau support, remplaçant la toile de lin, il s’agit un tapis de bois de pin constitué d’allumettes. L’art naïf s’y rajoute et Paul crée le «traitïsme»…»
Autres expositions :
« Voyage dans La Réunion lontan
Avec leurs teintes chaudes, les 22 toiles de Paul et Nathalie Clodel vous emmènent en douceur dans la vie quotidienne de nos grands parents créoles. « La Réunion des souvenirs », ce sont des broyeurs de maïs, des alambics, des tailleurs de pilons. Le couple, qui vit à Saint-Philippe a saisi les paysages et les scènes de vie à la lueur de la fin du jour : ici un homme charge ses cannes, là une dame arrose son jardin créole. Le trait est naïf, et, sur certaines toiles de Nathalie Cochard, il s’inspire de l’impressionnisme.
«J’ai peint des choses que j’ai vues et vécues, pendant mon enfance au Tampon et à la Plaine-des-Cafres», relate l’artiste. Son épouse puise son inspiration aux mêmes sources: les paysages, les traditions créoles. Âges de 44 et de 41 ans, ils peignent respectivement depuis 25 et 5 ans».
(S.H. Quotidien de la Réunion du 28:09:11).
15/05/2013 Clicanoo
Par Cynthia TEVANE
SAINT-BENOÎT
"La Réunion des Souvenirs" s'expose à l'Office de tourisme de Sainte-Anne
Dès aujourd'hui et jusqu'au 31 mai, l'Office de tourisme de Sainte-Anne accueillera une nouvelle exposition, baptisée «La Réunion des Souvenirs II». Le public pourra découvrir les tableaux réalisés par les artistes peintres de Claude Bègue, Nathalie et Paul Clodel Cochard, de l'association Paul Clodel. Parmi les réalisations des artistes ? Des cases créoles, des scènes de vie typiques, des natures mortes... À noter que Paul Clodel Cochard, qui fêtera ses 28 ans de carrière cette année, est l'inventeur du style de peinture dénommé le «traitïsme», qui consiste à peindre en juxtaposant des traits de couleur pure.
Autour de la case créole
Expo virtuelle blog 2020
Cette exposition est comme un retour aux sources pour Paul Clodel. Ainsi il se remet à peindre dans le genre traitïste, néo-traitïsme, impressionniste ou naïf et ajoute de plus une phase supplémentaire l’impression populaire.
Depuis moins d’un an, l’artiste-peintre et photographe, Paul Clodel Cochard, s’est engagé dans une voie d’avertir le public sur la disparition totale de ces habitats que sont les cases créoles. C’est dansson blog qu’il s’exprime le mieux.
À travers cette expo et avec son épouse Nathalie il va vers un public averti et passionné du genre case créole en peinture. Mais s’attache beaucoup plus d’importance aux nouveaux visiteurs qui pourront à la fois découvrir ses peintures et ses cases
L'hiver est la saison qui glace mes pensée philosophique
L'art fait sa réflexion: le néo-traitïsme de Paul Clodel
"Regard sur le monde" toile néo-traitïste de Paul Clodel Cochard
Je sais, mais je me dis toujours que je suis très pointilleux du regard sur le monde. Je veux dire que je suis sérieux sur presque toutes les choses que j'entreprends. J'aurai voulu que le monde le soit aussi. C'est peut-être mon caractère intérieur, mon moi, que j'extériorise.
C’est peut-être moi ou bien l’autre moi, celui qui tapisse mon esprit, la ruse.
J'avoue avoir la même réaction fasse à mes écrits qui crient sa solitude dans un coin de mon ordi. Comme toi, je rêve de les faire connaitre mais sache et je te rassure, protèges les car d'autres t'approprierons et t'auras pas un rond…
Voir ci-joint le lien : http://asspaulclodel.canalblog.com/archives/2013/06/20/27470063.html
Archive : Atelier Paul Clodel
Rue Kerveguen
Saint-Philippe Réunion
Laissez moi vos messages pour tous contacts, je vous remercie d'avance
Paul Clodel
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